История одной из самых монументальных композиций в репертуаре Rainbow, "Stargazer", начинается с альбома Rising. Этот диск, открывающийся одной из лучших барабанных партий в истории рока и вдохновленный виолончельным риффом, демонстрирует Ричи Блэкмора и Ронни Джеймса Дио на пике своего мастерства.
Менее чем через год после ухода из Deep Purple, Ричи Блэкмор представил публике шедевр – второй альбом Rainbow, Rising. Среди мощных композиций, таких как "Tarot Woman", "Starstruck" и "A Light In The Black", особое место занимает "Stargazer". Эта девятиминутная эпическая сага, ставшая венцом творения, виртуозно сочетает любовь Блэкмора к классической музыке с яркими, фантастическими текстами вокалиста Ронни Джеймса Дио.
Это сообщение отредактировал zeppelman - 12 июн 2026 в 12:11
Для записи Rising Блэкмор практически полностью обновил состав группы, оставив лишь вокалиста Дио. К ним присоединились басист Джимми Бэйн, барабанщик Кози Пауэлл и клавишник Тони Кэри. Новый состав отправился в тур по США, где впервые представил публике несколько новых песен, включая "Stargazer". Затем группа отправилась в Мюнхен для записи альбома, который впоследствии получил название Rising.
"Между первым и вторым альбомами мы добились огромного прогресса", – делился Блэкмор в интервью Hit Parader в 1976 году. "Теперь наша музыка стала более цельной и репрезентативной, а раньше это были просто песни, которые мы сочиняли в свободное время".
"В этот раз мы пришли в студию как настоящая группа. Раньше это были скорее наши друзья, за исключением Ронни. Теперь у каждого участника есть свой голос и право решающего слова при работе над альбомом. Мы хотели больше ударных, больше баса, больше клавишных и вокала".
Этот подход "больше ударных" ярко проявился во вступительной части "Stargazer". Грандиозное, стремительное соло Кози Пауэлла, до сих пор считающееся одним из лучших барабанных вступлений в рок-музыке, задает тон всей композиции. Основой трека стал рифф, вдохновленный игрой на виолончели, но настоящей изюминкой стали раскованное соло Блэкмора и его виртуозная игра на слайд-гитаре – новое, впечатляющее дополнение к его арсеналу. Широкие, восточные гаммы придают композиции особую величественность.
"Удивительно, как многие гитаристы играют одни и те же заезженные партии", – отмечал Блэкмор. "Они даже не осмеливаются экспериментировать с арабскими или турецкими гаммами".
Для придания композиции еще большей торжественности Блэкмор пригласил Мюнхенский симфонический оркестр под управлением Райнера Питша. Однако, как это часто бывает, не все пошло по плану.
"Оркестр звучал слишком вычурно и отвлекал от основной мелодии", – вспоминал Блэкмор. "Мы постоянно убирали какие-то партии, и мне было жаль Райнера, который так гордился своим грандиозным произведением. В итоге мы оставили только самое необходимое и добавили немного меллотрона, чтобы оркестр не звучал разрозненно и не диссонировал".
"«Stargazer» написана с точки зрения раба из Древнего Египта", – пояснил Дио. "Он служит Волшебнику, который одержим идеей полета и постоянно наблюдает за небом и звездами. Рабы строят для него каменную башню, чтобы он мог спрыгнуть с нее и взлететь".
"Наконец этот волшебник, этот Звездочет, пытается взлететь и, конечно же, разбивается насмерть. Рабы освобождены, и на этом заканчивается песня "Stargazer", переходя в "A Light In The Black". Волшебник мертв, рабы свободны, но всю свою жизнь они были верны Звездочёту. Они не знают, куда идти и что делать, пока не увидят свет во тьме".
Законченная песня стала кульминацией альбома. Голос Дио звучал выше, чем когда-либо, на фоне сотрясающего землю риффа Блэкмора, а звучание, усиленное Мюнхенским филармоническим оркестром, было не чем иным, как их собственным "Kashmir". Даже Роджер Гловер из Deep Purple, восхищаясь издалека, назвал эту песню "шедевром".
Блэкмор тоже был в восторге от результата. "Stargazer — это оркестр из 42 музыкантов, меллотрон и струнные, играющие в полутурецком ладе", — сказал он. "Это мой любимый трек из всех".
Позже в том же году Rainbow отправились в мировое турне, которое за шесть месяцев охватило четыре континента, но, как ни странно, некоторые из самых любимых песен группы, включая "Stargazer", не исполнялись вживую. Возможно, это было связано со сложностью аранжировки и необходимостью привлечения оркестра. Тем не менее, "Stargazer" остается ярким свидетельством творческого гения Ричи Блэкмора и Ронни Джеймса Дио, а также одним из самых впечатляющих достижений в истории хард-рока. Для сравнения-"Stargazer" с Graham Bonnet ..
Yello - «The Rhythm Divine» .............................................................................
К концу 80-х низкий, бархатный тембр Дитера Мейера и электронные изыски Бориса Бланка уже завоевали сердца публики. Но Yello не стояли на месте, смело расширяя свои музыкальные горизонты и добавляя в свой звук элементы джаза, классики и эмбиента. Именно такая открытость к неожиданным экспериментам и привела их к предложению сотрудничества Ширли Бэсси, артистке с 35-летней карьерой, чьими визитными карточками были джазовые композиции и саундтреки к фильмам о Джеймсе Бонде.
Для Yello, уже состоявшихся музыкантов, Ширли Бэсси казалась воплощением «того, что слушали их родители» — настоящего ретро. Тем не менее, Мейер рискнул и отправил ей демо новой композиции. К полному удивлению музыкантов, дива согласилась. При участии Билли Маккензи, выступившего автором текстов и соавтором, родилась «The Rhythm Divine» — песня, в которой идеально сочетались фирменный стиль Yello и вневременное очарование Бэсси. Композиция, объединившая джазовые гармонии, медленный, завораживающий ритм и многослойные синтезаторные партии, стала настоящим откровением для обоих артистов.
Ширли Бэсси продемонстрировала истинный профессионализм, записав свой вокал в цюрихской студии Yello всего за 40 минут, несмотря на небольшую задержку. В то же время Билли Маккензи, известный как участник группы The Associates, потребовал целых 90 дублей для записи бэк-вокала, что лишь подчеркивало виртуозность и скорость работы дивы.
Трек «The Rhythm Divine» вошел в альбом Yello «One Second», а спустя несколько лет увидел свет и в версии с сольным вокалом Маккензи. Несмотря на общий успех, Ширли Бэсси, привыкшая к акустическому сопровождению оркестров, не была в восторге от звучания синтезаторов. На одном из своих концертов в Royal Albert Hall она даже исполнила песню в собственной, оркестровой аранжировке, показав свое отношение к электронному звучанию.
Тем не менее, «The Rhythm Divine» было признано удачным экспериментом как среди поклонников Yello, так и среди фанатов Ширли Бэсси. Трек стал знаковой точкой плодотворного сотрудничества двух выдающихся артистов.
Лидера MUSE, Мэттью Беллами, волновали не только бурные романы, хотя и без них никуда. Его куда больше занимали судьбы человеческой цивилизации и всего мироздания. В песнях группы, словно в зеркале, отразились все страхи современного человека: угроза ядерной войны, тотальный контроль над личностью, стремление США превратить мир в гигантский муравейник, закулисные, циничные игры западной элиты, которая давно превратила понятие демократии в "демонократию", как метко назвал это Беллами.
Порой эти, казалось бы, очевидные размышления уводили автора в дебри конспирологических теорий. Но чего требовать от художника? Его задача – почувствовать пульс времени и передать его эмоции.
Мировой экономический кризис 2008 года лишь подстегнул мятежный дух Беллами. Наблюдая из окна своей лондонской квартиры за массовыми протестами, выплеснувшимися на улицы во время саммита "Большой двадцатки", лидер MUSE создал откровенный гимн протеста "Uprising" («Восстание»).
«Восстань и верни власть назад. Время, чтобы у толстосумов случился инфаркт. Они знают, что их время подходит к концу, Мы должны объединиться, чтобы наш флаг вознесся!»
Звучание песни под стать её посылу – прямолинейное, с вдохновляющими гитарными риффами и боевым электронным ритмом. Кто-то находил в нём отголоски "Call Me" группы Blondie, другие – "Children of the Grave" Black Sabbath. Сам Беллами шутил, что намеренно написал "Uprising" в духе футбольных гимнов, чтобы её можно было скандировать в знак протеста против банковской системы.
Визуальный ряд тоже не отставал: эффектный клип с игрушечным городом, захваченным бунтующими плюшевыми мишками.
Иронично, но именно эта "антиимпериалистическая" композиция стала самым успешным синглом MUSE в США, добравшись до 37-го места в чартах. А в 2009 году художественный руководитель Ватикана Джулио Нерони включил "Uprising" в список песен, способных «достучаться до сердец благожелательных людей» (в той же компании znalazł się nawet utwór 2Paca!).
Мэттью Беллами:
«Я стараюсь избегать громких заявлений, как Боно или Крис Мартин. Они делают великое дело, но мне некомфортно выступать на публике, я чувствую себя неловко, когда начинаю говорить. Я наверняка буду выглядеть глупо. Но я буду рад, если такие треки, как "Uprising", будут ассоциироваться с реформой Палаты лордов».
Впрочем, все мы знаем, что простые гимны протеста сами по себе мало что меняют…
В четверг, 12 июля 1979 года, в Чикаго, в разгар кампании «Диско отстой», диджей Стив Дал организовал настоящую вакханалию. Прямо на газоне бейсбольного поля Comiskey Park, между играми между командами Chicago White Sox и Detroit Tigers, он устроил взрыв виниловых пластинок. Многие из уничтоженных в тот вечер записей, получивший мрачное название «Ночь разрушения дискотек», на самом деле не имели никакого отношения к диско. Среди них были релизы чернокожих исполнителей, что добавило движению, и без того отягощенному гомофобией, откровенно расистский оттенок.
Среди тех, кто пострадал от этой разрушительной кампании, оказалась и группа Chic. Нью-йоркское трио под предводительством гитариста Найла Роджерса и басиста Бернарда Эдвардса выпустило 4 июня 1979 года свой задорный гимн "Good Times". Песня взлетела на вершины чартов Billboard Hot 100 в августе того же года, став их вторым номером один в Америке после "Le Freak" 1978 года.
К сожалению, "Good Times" оказались последним треком Chic, вошедшим в Топ-40 американских хит-парадов. Однако именно эта композиция стала катализатором для создания одного из самых узнаваемых рок-хитов группы - впоследствии, пожалуй, самого продаваемого сингла в их карьере.
Басист Queen Джон Дикон оказался в нью-йоркской студии Power Station как раз в то время, когда Chic записывали свой альбом "Risqué" 1979 года. А когда группа Queen приступила к записи своего восьмого альбома "The Game" в мюнхенской студии Musicland, именно проникновенный бас Бернарда Эдвардса из "Good Times" вдохновил музыканта из Лестера. Это вдохновение сначала смутило и озадачило его коллег по группе.
«Я давно хотел написать такой трек, как "Another One Bites The Dust", но поначалу у меня были только пара строчек и этот басовый рифф, — признался Дикон в интервью Bassist & Bass Techniques. — Я представлял себе танцевальную песню, но даже не думал, что она станет такой популярной».
«Мы понятия не имели, что же задумал Дики», — откровенно признался Брайан Мэй. Он добавил, что первая реакция Роджера Тейлора на эту песню была, мягко говоря, «непечатной».
«Бывали моменты, когда все наши идеи словно по волшебству сливались воедино, — делился Мэй воспоминаниями в интервью Guitar World. — Или когда в студии выдавался просто потрясающий день, и каждый чувствовал, что вложил в общее дело частичку себя. Но были и такие дни, когда каждый тянул в свою сторону, и это было по-настоящему мучительно. И, как ни странно, именно Фредди — которого многие считают чуть ли не главной примадонной — чаще всего выступал в роли примирителя». Он искусно находил компромисс.
«Хотя он и умел находить выход из самых запутанных ситуаций, он, безусловно, яростно отстаивал то, во что верил. Возьмем, к примеру, «Another One Bites The Dust» — песню, которая стала своего рода отходом от привычного стиля Queen. Роджер в то время считал, что это совсем не рок-н-ролл, и был крайне недоволен. А Фредди сказал: «Дорогой, оставь это мне. Я верю в эту песню». Без поддержки Фредди ничего бы не вышло».
«Фредди вложил в эту песню всю душу. Он пел ее до полного изнеможения, потому что хотел добиться именно того звучания, которое видел себе Джон».
«Another One Bites The Dust» была выпущена четвертым синглом с альбома «The Game» в августе 1980 года. Песня провела 15 недель в топ-10 Billboard, став самой долгоиграющей композицией в первой десятке в 1980 году. Она также 13 недель держалась в пятерке лидеров и в общей сложности пробыла в чартах 31 неделю — больше, чем любая другая песня в тот год. Кроме того, песня заняла второе место в чартах Hot Soul Singles и Disco Top 100, а также седьмое место в британском чарте синглов.
«Я и не думал, что из этого выйдет сингл, — признался Роджер Тейлор в интервью для Absolute Radio в 2011 году. — Мы как раз выступали в «Форуме» в Лос-Анджелесе. Пришел Майкл Джексон, уселся в углу и наблюдал. Он сказал: «Ребята, вам нужно это выпустить». А я ему: «Да ладно, ты с ума сошел, это же не станет хитом!» Но потом эту тему подхватили чернокожие радиостанции в Нью-Йорке и Детройте, и они ее просто взрывали. И вот, я не успел оглянуться, как ее выпустили, и… Полагаю, это был самый продаваемый альбом на лейбле Elektra/Asylum. Четыре миллиона копий в Америке! Отлично, мы это берем!
«Думаю, это до сих пор наш самый успешный альбом, — вторил Мэй. — В тот момент мы стали самой популярной группой в мире. Это был мимолетный момент, потому что кто-то другой тут же занял наше место. Но тогда нам казалось, что мы владеем всем миром».
Эта песня словно создана для того, чтобы под неё шагать. Стоит только включить её по пути куда-нибудь, и вы почувствуете, как ноги сами отбивают ритм. В тексте есть строчка: «Стив идёт с опаской по улице и кроме его шагов ничего не слышно», и музыка вторит ей удивительно точно. Минималистичный ударный ритм напоминает мерное постукивание шагов, а басовая линия, сливаясь с гитарой, создает ощущение неразрывной связи, подобно тени, следующей за человеком.
Чтобы глубже понять смысл песни, нам понадобится небольшое лирическое отступление. Дело в том, что вся композиция вдохновлена одним шокирующим событием, произошедшим 14 февраля 1929 года. Именно оно и дало песне название «St. Valentine’s Day Massacre», или, по-русски, «Бойня в день святого Валентина».
В тот роковой день по приказу Аль Капоне была проведена дерзкая операция: семь членов конкурирующей банды под руководством Багса Морана были хладнокровно расстреляны. Причиной, как и следовало ожидать, стал передел криминального рынка. Обе банды занимались бутлегерством – незаконным оборотом алкоголя, что было особенно прибыльно во времена сухого закона в США.
Что же делает эту историю столь примечательной? Сценарий бойни был поистине изобретательным и жестоким. Никто из жертв до последнего момента не осознавал, что происходит. Двое бандитов Аль Капоне, переодевшись в полицейских и угнав патрульную машину, прибыли на встречу с людьми Морана. Они инсценировали арест своих сообщников, выведя их со склада в наручниках, чтобы не вызывать подозрений. Затем, обезоружив противников, они выстроили их вдоль стены с поднятыми руками и открыли огонь. Ужасающая картина, не правда ли? Событие вызвало огромный скандал. Сам Аль Капоне, хотя и подозревался, не был осужден благодаря железному алиби, подтвержденному следствием.
Эта кровавая история оставила глубокий след в массовой культуре, найдя отражение в таких произведениях, как фильм «Лицо со шрамом», одноименный фильм «Бойня в день святого Валентина» (1968 года) и игра «Mafia 2».
Интересный факт: одного из организаторов этой бойни в криминальном мире знали как «Пулемёт». Его прозвище и орудие убийства нашли прямое отражение в тексте песни, в строчке «Machine guns ready to go».
В начале 80-х "Another One Bites the Dust" была одной из многих популярных рок-песен, которые, как утверждали христианские евангелисты, содержали подсознательные сообщения посредством техники, называемой обратным маскированием. Утверждалось, что в припеве, при проигрывании задом наперёд, можно услышать "Решить курить марихуану", "Забавно курить марихуану" или "Начать курить марихуану". Я не пробовал, но можете проверить. По английски это так: "Decide to smoke marijuana", "It's fun to smoke marijuana" или "Start to smoke marijuana".
А теперь достоверный факт: поскольку "Another One Bites the Dust" имеет ритм 110 ударов в минуту, она используется при обучении реанимационным мероприятиям медработников, полицейских и спасателей в Великобритании. Дело в том, что закрытый массаж сердца надо делать с частотой 100-120 ударов в минуту.
Ну и без пародии Another One Rides the Bus" от "Weird Al" Yankovic, вышдшей в том же 1980 году не обошлось:
У каждой группы есть своя "старушка" – песня, которая сейчас вызывает неловкость, и AC/DC тут не исключение. Поэтому, когда гитариста Ангуса Янга, единственного оставшегося "отца-основателя", спросили в интервью 2020 года, какая песня группы вызывает у него наибольшее "досаду", ему не пришлось долго ломать голову.
«На нашем первом альбоме, High Voltage, была песня о любви под названием Love Song, – рассказал он автору Vulture Девону Айви. – Это было для нас совершенно нехарактерно. Я даже не знаю, пародировали ли мы тогдашние песни о любви, ведь Бон Скотт сам писал слова. Я даже не помню, о чем там».
Если вы сейчас затрудняетесь вспомнить саму песню, не говоря уже о тексте, вам можно простить: до появления на сборке раритетов AC/DC 2009 года Backtracks, Love Song (или, как она изначально называлась, Love Song (Oh Jene)) присутствовала только на австралийской версии дебютного альбома группы High Voltage, выпущенного в 1975 году. Международный релиз 1976 года обошел ее стороной. Песня, выросшая из весьма неоформленной идеи "Fell In Love" от лидера группы Малкольма Янга и первого вокалиста AC/DC Дэйва Эванса, была полностью переработана Боном Скоттом, обретя искренний, почти сентиментальный романтический оттенок, непохожий ни на что другое в дискографии AC/DC.
В песне Скотта был такой трогательный куплет:
«Когда ты улыбаешься, я вижу звезды на небе Когда ты улыбаешься, я вижу рассвет И я знаю, что ты думала обо мне И я знаю, чего ты хочешь»
«Я помню эту песню, – говорил Ангус Янг Айви, – потому что парень из звукозаписывающей компании сказал, что в то время по местному радио играла очень спокойная музыка. Он считал, что нам стоит выпустить эту песню, потому что она могла бы попасть на радио. Я тогда подумал: «Кто вообще это слышать захочет?»
«Нам очень повезло, потому что все радиостанции, которые видели нас вживую, знали, что это не мы, – продолжил Янг. – Поэтому они решили поставить на первое место другую песню, кавер на блюзовый стандарт Baby, Please Don’t Go. Фактически, мы стали известны благодаря второй стороне пластинки! Это был единственный плюс этой песни».
Motörhead-"Killed By Death" ………………………………………………………………………………………….
Один из видеоклипов Motörhead, снятый в 1980-е, стал легендарным хотя бы потому, что его запретили на MTV.
Когда этот канал только появился, многие думали, что на глазах рождается новый формат телевидения. Режиссеры клипов экспериментировали с разными идеями, и атмосфера творческой свободы буквально витала в воздухе. Но вскоре стало ясно: перед нами очередной телеканал, где, как и везде, существует цензура.
В 1984 году Motörhead переживали не лучшие времена. Они покинули лейбл Bronze, который был их домом. Продажи шли ни шатко ни валко, и никакие коммерческие уловки не помогали. Состав группы тоже лихорадило: ушли гитарист Брайан Робертсон и барабанщик Фил Тейлор. На их места пришли гитаристы Фил Кэмпбелл и Майкл Бёрстон, а за ударные сел бывший участник Saxon Пит Гилл.
С этим новым составом Лемми решил попытать счастья, выпустив сингл "Killed By Death". Параллельно Bronze выпустили сборник "No Remorse" — ретроспективу последних семи лет группы, куда в качестве бонуса добавили новые треки. "Killed By Death" — типичный номер Motörhead, в котором Лемми, как бы между делом, приглашает подругу заняться любовью. Песня провалилась в чартах, добравшись лишь до 51-го места, и это стало ещё одним поводом для разрыва с Bronze.
Тем не менее, на неё решили снять клип. В то время лидер Motörhead часто "тусовался" с группой Plasmatics. Те были настоящими хулиганами, и их выходки говорили о них куда больше, чем музыка. Лемми чувствовал себя в этой компании как рыба в воде. Руководил их делами менеджер Род Свенсон, который и решил снять клип на "Killed By Death".
История начинается с того, что девушка в откровенном наряде готовится к вечернему выходу, но родители ей запрещают, сами с трудом отрываясь от телевизора. Их спокойствие нарушает Лемми, эффектно въезжая в дом на своём байке и увозя подругу. Они начинают бесчинствовать в разных местах, и в какой-то момент их ловит полиция, после чего лидера Motörhead казнят на электрическом стуле. Но даже на похоронах, где все вокруг рыдают, Лемми воскреснет из мертвых и выпрыгнет из могилы на байке, унося подругу, пока толпа приходит в себя.
Клип заканчивается кадрами с живого выступления группы. В те времена "Killed By Death" стала хитом на концертах, а сам Лемми порой шутил, объявляя её, что она ему денег не принесла, хотя ему очень хотелось.
Вот такой, в общем-то, незамысловатый клип был запрещён к показу на MTV за излишне откровенные сцены насилия. Спустя столько лет это кажется забавным, но тогда было не до смеха. Метал-сцена переживала не лучшие времена, а телевидение старалось держать марку. Motörhead были мастерами провокаций, и даже своим клипом им это удалось.
Спустя много лет, когда Лемми не станет, множество некрологов начнутся с фразы "Killed By Death" («Убит Смертью»). Иногда творец оказывается и пророком. Так и Лемми предвосхитил свой собственный уход.
После слова "пограничница" наслушанные и насмотренные меломаны уже, наверняка, догадались, что речь пойдёт о героине клипа Элтона Джона под загадочным названием «Nikita». Впрочем и саму девушку звали тоже достаточно необычно - Аня Мэйджор (именно "Anya", а не "Анна"). Если верить скупой информации ( из буклета компакт-диска "Moscow Nights"), родилась она в 1966 году в Сингапуре. На том же буклете говорится, что в жилах девушки есть русская кровь, что объясняет выбор такого родного для нас имени.
Пишут, что ещё в раннем возрасте Аня начала карьеру модели, пела в местной группе и участвовала в то ли пьесе, то ли мюзикле под названием «Оливер Твист и Мессия», который ставила её школа в Сингапурском национальном театре.
Потом девушка переехала в английский Брайтон, где изучала музыку и драму, что, как пишут на буклете, сблизило её с русским искусством. Впрочем, карьера модели тогда явно была для Ани приоритетной и в итоге принесла ей первую мировую известность.
Случилось это в 1983 году, когда компания "Apple" задумала снять очень амбициозный рекламный ролик, посвящённый выпуску нового персонального компьютера "Macintosh". По замыслу Стива Джобса реклама должна была донести потенциальным покупателям мысль, что их компьютер - это символ свободы, который предоставляет отдельной личности «ту компьютерную мощь, которая когда-то была доступна только корпорациям».
Рекламу решили приурочить к Суперкубку по американскому футболу, который должен был пройти в 1984 году. Собственно, год и стал источником идеи для будущего видео. А именно - в ролике решили обыграть сюжет знаменитой антиутопии Джорджа Оруэлла "1984" (1948).
На экране должен был предстать кинотеатр, заполненный людьми в серых робах, которые зачарованно внимают выступлению диктатора по прозвищу Старший Брат. Однако тоталитарную идиллию нарушает смелая девушка, которая врывается в зал и метает в экран тяжёлый молот.
Всё это венчала следующая надпись:
«24 января «Apple Computer» представит «Macintosh». И вы поймете, почему 1984 год не будет похож на роман «1984»».
Режиссёром ролика был выбран не абы кто, а сам Ридли Скотт, который полтора года назад блестяще снял фантастический фильм 02 - "Бегущий по лезвию". Хотя бюджет ему выделили немалый, Ридли всё равно старался экономить и привлёк для массовки настоящих "праваков" - скинхэдов из Британского Национального Фронта.
А вот найти ту самую отважную девушку оказалось крайне непросто. Ведь она должна была не только хорошо выглядеть, но и уметь метать молот. Как нетрудно догадаться, редкая модель держала в своих руках что-то тяжелее сумочки. Дошло до того, что на кастинге, проходившем в Гайд-парке, одна из претенденток чуть не зашибла молотом проходящего зеваку.
Поэтому нетрудно представить радость режиссёра, когда перед ним появилась крепкая спортивная 17-летняя Аня Мэйджор, которой ещё в школе доводилось метать диск и копьё. Поэтому и с молотом она справилась без труда.
Аня Мэйджор: «Ридли объяснил мне, какую он хочет причёску, и отправил к Видалу Сассуну в Лондон, чтобы тот меня подстриг и покрасил. Несмотря на то, что у меня уже были короткие светлые волосы, Ридли хотел, чтобы они были ещё короче и практически белыми. Он оказался прав — такая причёска идеально подходила для этой роли!»
Хотя во время Суперкубка ролик показали по американскому ТВ всего два раза, он произвёл фурор и задал новые стандарты телевизионной рекламы. Именно тогда нашу Анечку и приметил будущий британский сэр Элтон Джон.
Это была середина 80-х, когда "Холодная война" между капиталистическим и социалистическим блоками была на самом пике. И это неминуемо нашло отражение в поп- и рок-музыке.
Например, в 1984 году мужская половина АББЫ записывает мюзикл "Шахматы" о противостоянии двух русских шахматистов - один из которых советский, а второй - сбежавший на Запад эмигрант. Тогда же группа JETHRO TULL записывает альбом "Under Wraps" ("Андер Врапс") - "Под прикрытием", просто насыщенный темой шпиономании, а Крис де Бург выпускает ещё одну шпионскую песню про лунный свет и водку ("Moonlight and Vodka").
Хотя куда более сильное впечатление на меня произвело содержание песни "Russians", выпущенная Стингом в 1985-м.
У нас одна и та же биология, Несмотря на идеологию, Поверьте мне, когда я говорю вам, Что надеюсь, что русские тоже любят своих детей... Ну, мы тоже на это надеемся...
Так вот... Элтон Джон тоже решил не отставать от модной повестки и сочинил песню «Nikita», где представил "холодную войну", так сказать, в лирическом преломлении. Местом действия клипа певец выбрал самый яркий символ противостояния двух систем, а именно берлинскую стену, разделившую город по идеологическому принципу. Забавно, что в самом начале мы видим на стене надпись "Kahrolsun fasiff" "Кахролсун фасифф" ("Долой фашистов!"), написанную почему-то на... турецком.
По сюжету, герой песни, которого в клипе играет сам Элтон Джон, влюбляется в пограничницу Германской Демократической республики, которая ту самую стену патрулирует. Сначала певец наблюдает за милитаризированной девушкой сквозь колючую проволоку из своего "роллс-ройса" и поёт:
...если ты свободна, чтобы сделать выбор, Просто обрати взор на запад — и найдешь друга.
Затем Элтон пересекает пропускной пункт, и между ним и Никитой начинает зарождаться обоюдная симпатия. Однако на этом всё и заканчивается. При следующем пересечении границы суровый начальник девушки с подозрением рассматривает загранпаспорт певца и отказывает во въезде.
О, Никита, ты никогда ничего не узнаешь О моём доме. А я никогда не узнаю, как приятно обнимать тебя... Заметьте, как даже в лирической песне тонко зашифрован пропагандистский посыл - мол, "девчонки у вас хорошие, но они бы точно к нам сбежали, если бы знали, как богато мы живём".
Собственно, ту самую девчонку и сыграла круглолицая Аня Мэйджор с пронзительным взглядом, который так хорошо подходил к строчкам песни про "глаза, похожие на лёд в огне".
Остаётся только один вопрос - с какого бодуна певец окрестил девушку русским именем Никита? Ну, даже если вынести за скобки то, что русское имя почему-то носит немецкая девушка (судя по символу на меховой шапке, она явно представляет именно ГДР, а не советский контингент).
Только зарегистрированные и авторизованные пользователи могут оставлять комментарии. Авторизуйтесь, пожалуйста, или зарегистрируйтесь, если не зарегистрированы.
7 Пользователей читают эту тему (1 Гостей и 1 Скрытых Пользователей)
yaplakal.com