Музыка и музыканты: 50 лет назад.Лучшие альбомы 1975 года.

Предыдущая тема тут

50 лет, согласитесь, немалый срок, что бы понять- стОит ли вообще вспоминать, был ли такой альбом или нет. Изначально думал выложить «сухой» топ-лист classicrockreview.com с его обычной сотней, но просмотрев их рейтинг, решил просто выбрать те 20 альбомов, которые я считаю достойны что бы их вспомнить.
Первые 3 номинации вообще трудно как то определить по важности, это альбомы из Золотого фонда!
Прошу простить за многословность, хотелось найти что то действительно важное и интересное, возможно неизвестное до сих пор в истории этой двадцатки.

Physical Graffiti – Led Zeppelin

Physical Graffiti имел успех как в коммерческом, так и в критическом плане, достигнув вершины альбомных чартов после своего выхода и став в итоге 16-кратно платиновым по продажам. Половина альбома представляет собой экскурс по многочисленным этапам, через которые прошла эта невероятно разнообразная в музыкальном плане группа за первые пять лет и пять студийных альбомов, а вторая половина показывает, как группа продвигалась вперед, соединяя фанк, тяжелый поп, соул и современное звучание, ставшее новой волной, и остается лучшим примером того, что сделало Led Zeppelin такой огромной музыкальной силой.
История альбома Physical Graffiti: Led Zeppelin

«Trampled Under Foot»

Wish You Were Here – Pink Floyd
Pink Floyd изначально хотели выпустить альбом под названием Household Objects и вместо инструментов использовать миксеры и винные бокалы. Таким образом они хотели показать всей музыкальной индустрии средний палец. Получилось сделать это и на Wish You Were Here – при помощи подтекстов в оформлении и текста в Have a Cigar.

Главной темой альбома является отчуждение. Роджер Уотерс говорил, что его было бы правильнее назвать Wish We Were Here, поскольку музыкантам поначалу не хватало энтузиазма, они сомневались в себе и своих силах.
Гилмор, Уотерс и Мейсон вспоминали, что работа над материалом была несколько хаотичной. Музыканты несколько раз заходили в тупик, а противостояние между Гилмором и Уотерсом становилось все более заметным.
Несмотря на медленный старт, группе удалось создать четыре хита на все времена: титульный трек, Shine On Your Crazy Diamond, Welcome to the Machine и Have a Cigar. В последней есть строчка «Oh, by the way, which one’s Pink?». Она появилась неслучайно: долгое время после появления группы слушатели считали, что Pink Floyd – это псевдоним одного из участников. Музыкантам частенько приходилось объяснять эту ошибку.

Pink Floyd начали записывать Wish You Were Here 6 января 1975 года и завершили работу в июле. За то время, что группа провела на студии, их посетили два гостя. Одного приглашали, второй появился внезапно.
Ни Уотерс, ни Гилмор не смогли записать вокальную партию к Have a Cigar, поэтому пригласили для этого своего друга Роя Харпера. В тот момент музыкант также находился на Abbey Road и записывал свой альбом, для которого Гилмор сочинил несколько партий.

Пятого июня на студии внезапно появился Сид Барретт – потолстевший, лысый, без бровей и лишь условно напоминающий самого себя. Музыканты даже не сразу его узнали. До этого дня они не виделись семь лет и никогда не встречались после.
Хотя Сид Барретт покинул Pink Floyd задолго до записи Wish You Were Here, но его присутствие на альбоме все равно ощущается. Музыкант вдохновил коллег по группе на написание Shine On Your Crazy Diamond. Судя по всему, когда он пришел на студию и услышал песню, он не понял, что композиция посвящена ему.

Дизайном альбома занимались команда Hipgnosis и Сторм Торгерсон.

https://www.yaplakal.com/forum28/topic2004528.html

«Shine On Your Crazy Diamond»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:09

Queen -A Night At The Opera

С выпуском четвертого альбома A Night at the Opera в 1975 году Queen действительно достигли звездных высот. На тот момент это был самый дорогой альбом из когда-либо записанных, поскольку в нем использовались необычные и методичные наложения для достижения богатых оркестровых и хоровых эффектов, а также богатые повторения широкого спектра стилей. Многие из этих стилей ранее не использовались хард-рок-группами, но огромная изобретательность и внимание к деталям сделали этот альбом вершиной карьеры Queen.
Спустя годы Мэй признался, что если бы «A Night at the Opera» стал коммерческим провалом (а значит, принес большие убытки), Queen бы распустились. К счастью, альбом имел коммерческий и критический успех, достигнув 4-го места в США и продав более 12 миллионов копий по всему миру. Queen продолжали пользоваться огромным успехом еще долгие годы, а в 1976 году выпустили альбом A Day at the Races, который стал продолжением A Night at the Opera и снова позаимствовал свое название из фильма братьев Маркс.
https://www.yaplakal.com/forum2/topic2194720.html

«Queen - Love Of My Life»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 11:50

Black Sabbath- Sabotage
Сейчас уже и не вспомнишь, когда в мировой музыкальной журналистике вошёл в широкое употребление термин «потерянный альбом», на деле означающий качественную, но не получившую широкой медиа-раскрутки работу артиста или группы с уже состоявшимся именем. С точки зрения британских рок-журналистов, у Black Sabbath это странное звание в наибольшей степени заслужил альбом “Sabotage”.

И что ж, — “Sabotage” оказался «потерянным» просто вследствие того, что группой на тот момент по существу никто не занимался. Точнее, не занимался ею менеджмент под руководством Патрика Михэна, с которым группа в тот момент яростно судилась с целью избавления от контракта, в том числе и издательского — предшествовавший “Sabotage” альбом “Sabbath Bloody Sabbath” (1973) был издан фирмой WWA (World Wide Artists), также принадлежавшей Патрику и его компании. Таким образом, “Sabotage”, по словам барабанщика группы Билла Уорда, «оказался единственным в истории рок-альбомом, на записи которого присутствовали адвокаты».

Действительно, даже в студии музыкантам приходилось подписывать деловые бумаги и часами висеть на телефоне — за устные переговоры от лица Black Sabbath отвечал именно Билл. Удивительно ли, что “Sabotage” получился такой злобной работой, а грозно звучащее название как раз означало то, что происходило с коллективом в текущий момент: саботаж от лица менеджмента, который вскоре превратился в бывший менеджмент.

Конечно, не только подобный саботаж определил музыкальное содержание “Sabotage”: лидеру Black Sabbath, гитаристу Тони Айоми после успеха не самого типичного по продюсированию и особенно аранжировкам “Sabbath Bloody Sabbath” явно желалось возвращения к апокалиптическому звуку раннего Black Sabbath, не уходя при этом в сторону упрощения от содержательных музыкальных экспериментов. Но, коль скоро сам Тони заявил, что «“Sabbath Bloody Sabbath” оказался не подлинным рок-альбомом», с экспериментами не стоило заигрываться.

Тони при записи сосредоточился на усложнённых ритмических структурах отдельных пьес и формировании гитарного звука при помощи самых современных на тот момент обработок, так что по большому счёту аранжировочный эксперимент на “Sabotage” имелся только один — зато какой… Инструментальная пьеса “Supertzar” продемонстрировала, сколь страшно и могущественно может звучать хор (точнее — English Chamber Choir) в контексте хэви-метала. Определённо, в наши дни масса рок-музыкантов съели бы собственную шляпу, только бы заполучить на свой альбом интродукцию такого уровня. И многие ли поклонники родной «Арии» знают, что именно “Supertzar” стала идеологическим прототипом титульной пьесы дебютного альбома этой группы «Мания величия» (1985)?


В остальном же, кроме звучащей издевательски в окружении весьма злобной музыки почти поп-пьесы “Am I Going Insane (Radio)”, “Sabotage” видится максимальным развитием изначальных идей группы на новом техническом уровне и с куда большими умениями самих музыкантов. Существует мнение, что Оззи Осборн никогда не звучал лучше в студийных условиях — ни до, ни после. На самом деле слышно, что на этом альбоме инструменталисты уже несколько переросли вокалиста — Оззи поёт на пределе своих технических возможностей, и понятно его стремление поскорее забыть о “Sabotage”. И не только из-за дурных воспоминаний о разборках с менеджментом, и не оттого, что альбом «записывался примерно 4 000 лет».

Зато на “Sabotage” имеется пьеса, которую масса рок-журналистов именует не иначе как «эталонный номер Black Sabbath» — и в этом с ними можно согласиться. Пьеса “Symptom Of The Universe” демонстрирует редкостную динамику в пределах даже одной моментально запоминающейся гитарной партии Тони, не говоря уж о непростой игре Билла Уорда и отчаянном вокале Оззи. Даже её двухминутный финальный фрагмент, выросший из совместной студийной импровизации группы, причём в стиле калипсо не слушается неорганично. Бытует мнение, что гитарный рифф “Symptom Of The Universe” — это первый рифф в истории ещё несозданного на тот момент трэш-метала, и с не меньшим основанием на это звание могут претендовать риффы номера “Megalomania”.

Именно они, как слышится, в значительной мере определили лицо классического номера ещё юной Metallica “Seek And Destroy” (1983). В длине пьес и, таким образом, свободе самовыражения музыканты Black Sabbath себя не ограничивали — та же “Megalomania” и финальный сверхтяжёлый трек “The Writ” вплотную подбираются к десяти и девяти минутам соответственно. Кстати сказать, “The Writ” — редкий номер в репертуаре группы, где текст принадлежит не бас-гитаристу Гизеру Батлеру, но лично Оззи. Крайне сердитое лирическое произведение описывает конфликт группы и её менеджмента в далеко непарламентской лексике: «Ты Сатана или человек? Ты очень изменился с того момента, как начал своё дело!»
«The Writ»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:02

Paul McCartney & Wings- Venus and Mars

"Венера и Марс" - четвертый студийный альбом Пола Маккартни и его группы Wings, выпущенный 27 мая 1975 года американским лейблом Capitol Records.
Альбом был долгожданным после пользовавшегося огромной популярностью предыдущего альбома Band on the Run (1973). Ставший не менее популярным, Venus and Mars подтвердил статус Wings, окончательно ответил на вопрос, есть ли жизнь после Битлз, и положил начало долгому, растянувшемуся на год, мировому турне Пола Маккартни.

В 1974 году Пол Маккартни не выпустил никакого альбома, потому что работал над альбомом своего брата Майка McGear (1974) (под псевдонимом Майк Макгиэр младший брат Пола сделал музыкальную и художественную карьеру), а также участвовал в альбоме Рода Стюарта Smiler (1974). Однако к концу 1974-го Пол размечтался о большом мировом турне со своими "Крыльями" и тогда решил записать новый альбом, материал которого годился бы для концертного репертуара.

После записи Band on the Run втроём - с Линдой и гитаристом Дэнни Лэйном - Маккартни добавил в 1974 году в состав Wings лидер-гитариста Джимми Маккаллока и барабанщика Джеффа Бриттона. Написав несколько новых песен для следующего альбома, Маккартни выбрал местом его записи Нью Орлеан, штат Луизиана, и в январе 1975 года Wings направились туда. Часть вещей была записана в Новом Орлеане, остальное Wings дописали в Лос-Анджелесе. Venus and Mars записывался с середины января до конца апреля.

Однако, едва начались сессии записи, обострился личный конфликт между Маккаллоком и Бриттоном. Барабанщика сильно раздражало увлечение гитариста наркотиками, и он покинул группу, записавшись только в трех вещах альбома. Замену нашли очень быстро в лице американца с английской фамилией - Джо Инглиша, и дальнейшая запись прошла очень продуктивно. Помимо законченного альбома записали несколько песен, заполнивших впоследствии вторые стороны синглов Маккартни - "Lunch Box/Odd Sox" и "My Carnival". Маккартни связал несколько песен вместе, без паузы, как Битлз сделали на Abbey Road, чтобы придать альбому ощущение непрерывности.

За две недели до выпуска Venus and Mars, вышел сингл с песней "Listen to What the Man Said", который поднялся до 1-го места в США. Альбом вслед за ним вышел на 1-е место в США, Великобритании и многих других странах. Позже вышли еще два сингла - "Letting Go" и "Venus and Mars/Rock Show". "Letting Go" - одна из лучших песен Маккартни, увы, не имела популярности. "Venus and Mars/Rock Show" попала в американский Top 10, но в британских чартах даже не засветилась.

Большинство людей ассоциировали название альбома "Венера и Марс" с Линдой и Полом соответственно. Но Маккартни отрицал эту ассоциацию или какую-либо другую аллегорическую связь, утверждая, что речь идёт о древнеримских богах
Paul McCartney & Wings - Letting Go


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 11:51

Alice Cooper-Welcome to My Nightmare
Welcome To My Nightmare — первый сольный альбом Элиса Купера, предыдущие семь выходили под маркой рок-группы Alice Cooper. Группа Купера в классическом составе дала свои последние концерты в марте-апреле 1974 года в Бразилии. 30 марта 1974 в Сан-Паоло был побит мировой рекорд посещаемости для закрытых помещений, когда на концерт Элиса Купера в Anhembi Exposition Hall собралось 158 000 человек. Так началось первое и, увы, последнее турне группы в Южной Америке.


Купер так прокомментировал причины разрыва с группой:
"Необходимо признать факт, что за десять лет мы слишком надоели друг другу." Его менеджер Гордон добавил: "То, что начиналось когда-то как "воздушный замок" превратилось в тяжёлое бремя." Кроме элементарного утомления друг от друга, принципиальное расхождение Элиса и группы заключалось в том, что Купер увлёкся сценической стороной и стремился с каждым разом к всё более феерическим шоу, в то время как музыканты хотели сосредоточиться больше на музыкальном развитии. Когда группа занялась новыми проектами, Винсент Фурнье решил продолжать своё дело самостоятельно, а чтоб группа не использовала название Alice Cooper без самого Купера, Винсент Фурнье сделал псевдоним Элис Купер своим официальным именем.

Новая задумка Элиса вылилась в концептуальный альбом, который можно считать также саундтреком, поскольку он послужил материалом для музыкального телефильма Alice Cooper: The Nightmare.

И в фильме, и в альбоме — одна идея: пареньку по имени Стивен снится многосерийный кошмар, из которого он никак не может выбраться, то есть проснуться. Один кошмар накладывается на другой, также как песни в альбоме переливаются одна в другую без всяких пауз. В фильме Элис Купер сам играет Стивена, а роль Кошмарного Духа — американский актёр Винсент Прайс, прославившийся в жанре фильмов ужасов. В альбоме Винсент Прайс произносит вступительный монолог в песне "The Black Widow" (Чёрная вдова). В фильме звучит весь альбом целиком плюс песня "Ballad of Dwight Frye" из альбома Alice Cooper - Love It to Death (1971). Большую часть альбома слушатели воспринимают глазами Стивена, но узнают его имя немного позже, когда восприятие становится более внешним, а всё случившееся кажется уже не таким уж и нереальным...

Заглавная вещь "Welcome To My Nightmare" сочетала в себе множество разнородных стилей от джаза и хард-рока до диско, который только-только вошёл в моду в 1975 году. Начало с вкрадчивым баритоном в духе Джима Моррисона, Купер сделал вероятно как трибьют своему другу из The Doors. Далее идёт интересный хард-рок с духовой секцией — дань моде на диско. "Добро пожаловать в мой кошмар" был вводным номером в одноимённую концертную программу 1975 года. Во время исполнения этой вещи музыканты прятались за сценой, Купер появлялся на ней в клубах дыма и пел, лёжа в кровати, а всё остальное шоу демонстрировало его кошмары, переходящие в реальность. Впрочем, все образы требуют от зрителей и слушателей дополнительного воображения. По словам Купера: "Я проецирую публике образы, а она сам создаёт связанные с ними истории. Я не делаю никаких посланий. И никогда не делал."


Сингл "Welcome To My Nightmare" занимал 45-ю позицию в Биллборде и со временем на радиостанции AOL был включён в список 10 лучших песен для Хеллоувина. В 1999 году в США был записан совместный альбом Humanary Stew: A Tribute to Alice Cooper, в котором участвовали Iron Maiden, Motley Crue, Def Leppard, Megadeth. Ронни Джеймс Дио записал для альбома песню "Welcome To My Nightmare". Все эти ребята признали, что Элис Купер оказал на них огромное влияние.

Песни в альбоме не просто следуют одна за другой без пауз, но часто неотъемлемо встроены одна в другую, так что трудно вычленить конец одной и начало следующей. Welcome To My Nightmare звучит более камерно и демонстрирует значительно больше синтезаторов и фортепиано, чем в предыдущих альбомах Купера. Оркестровка также играет немалую роль во многих песнях, расширив диапазон Элиса Купера от обычного харда до арт-рока. В то же время общее звучание не утратило обычного для Купера драйва и рок-н-рольной "сырости".
Одна из сильнейших баллад Купера "Only Women Bleed" вызвала противоречивые споры и протесты феминистских организаций. Оголтелые защитницы женских прав усмотрели здесь оскорбление женского пола, исходя из заголовка и припева песни, который переводится "Только женщины истекают кровью". Однако при первом знакомстве с текстом становится ясно, что речь идёт не о менструациях, а о духовных и душевных переживаниях, выпадающих на долю женщин. Элис поёт о том, что женщины кровоточат сердцем, умом и душой. Это одна из редких песен в репертуаре Купера, где его цель — не шокировать публику, а дать ей почувствовать боль других.

Соавтор этой песни, гитарист Дик Вагнер также объяснял: "Эта песня была неправильно понята поначалу. Все думали, что это о женских периодах, но это не так. Речь идёт о подчинённой роли женщины в обществе по отношению к мужчине. Я твёрдо убеждён, что женщины — более совершенный пол. "Только женщины истекают кровью" — это песня об их освобождении." Вагнер сочинил музыкальную основу этой песни ещё в 1968 году, когда играл в рок-группе The Frost, но не был удовлетворён своим текстом. Начав сотрудничать с Элисом Купером в 1975, Вагнер ознакомил его с этой вещью. Тот сразу приклеил к ней фразу "Только женщины истекают кровью", и на этой основе написал остальной текст.

Дабы избежать лишних скандалов с феминистками, Atlantic Records выпустила сингл, урезав название до "Only Women". Сама песня тоже подверглась небольшому редактированию, в результате которого стала немного короче, но более насыщена оркестровками, чем альбомный вариант. Это один из самых больших хитов Элиса Купера, ставший №1 в Канаде, №12 в США, несмотря на то, что многие радиостанции избегали крутить песню в эфире. С тех пор кавер-версии "Only Women Bleed" записали десятки разных артистов.
В сценическом шоу Welcome To My Nightmare Купер исполнял "Only Women Bleed" в паре с танцовщицей. Вообще всё шоу было поставлено профессиональным хореографом Дэвидом Уинтерсом, в нём принимало участие несколько танцоров и танцовщиц. Одна из них - Шерил Джи Годдард - стала впоследствии женой Элиса.
"Only Women Bleed"


------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:02

Nazareth- Hair of the Dog
"Hair of the dog" - самый коммерчески успешный альбом группы, по всему миру продано более двух миллионов экземпляров. Он занял 51-ую позицию в рейтинге «100 лучших рок-альбомов всех времён» по версии журнала Classic Rock.
"Похмелье" - шестой студийный альбом шотландской рок-группы Nazareth, выпущенный в 1975 году компанией A&M Records. Альбом записан на студии Escape в английском городе Кент. После трех предыдущих альбомов, продюссированных басистом Deep Purple Роджером Гловером, в этом и последующих альбомах Nazareth за дело взялся основатель и гитарист группы Мэнни Чарльтон.

Результат оказался великолепным. До этого имел небольшой коммерческий успех только третий альбом "Razamanaz" (1973). Особенно популярной с альбома стала, конечно же, заглавная песня "Hair of the Dog".

Название альбома чаще всего понимают как "опохмелка", именно так переводится в разговорном английском понятие "собачья шерсть". Однако Дэн Маккаферти сказал, что они решили обыграть этим названием понятие "son of a bitch", т.е. "сукин сын", о котором они неистово поют в заглавной вещи альбома.
Дело в том, что группа изначально так и хотела назвать альбом "Son of a Bitch", но лейбл побоялся и не разрешил. Тогда они придумали Hair of the Dog, потому что оно произносится так же, как "Heir of the Dog" - "собачий наследник" - тот же "сукин сын" в конце концов. Вот такие сложные филологические изыски по поводу банальной истории, о которой поется в злой заглавной песне, где главная героиня - "прирожденная обманщица", разбивающая сердца", прокатывающаяся как "паровой каток" по судьбам мужчин, теперь "спуталась с каким-то сукиным сыном".

Эта словосочетание ни разу в тексте песни не произносится и к её содержанию никакого отношения не имеет.

https://www.yaplakal.com/forum2/topic2454842.html

Nazareth


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:09

Deep Purple- Come Taste The Band

Десятый студийный альбом Deep Purple, выпущенный 10 октября 1975 года лейблами EMI/Purple Records в Великобритании и Европе, Warner Bros. Records - в США и Канаде.


Альбом записывал и сопродюсировал давний коллега Deep Purple Мартин Бёрч по прозвищу WASP. Come Taste the Band замечателен тем, что это единственный студийный альбом, на котором вместо Ричи Блэкмора играет Томми Болин, яркая звезда, быстро закатившаяся по банальной причине – передозировки героином.
В музыкальном отношении Come Taste the Band более коммерческий, нежели предыдущие альбомы Deep Purple и опирается на традиционный хард-рок с элементами соул и фанк. Основное фанковое влияние принес в группу басист Гленн Хьюз, а гитарист Томми Болин с удовольствием подхватил эту тему.
Собственно, этот уклон и довел Блэкмора до крайней степени недовольства группой, которую он когда-то создал для того, чтобы играть добротный тяжелый рок. После ухода Ричи, мало кто верил - критики и публика - что Deep Purple будет продолжать. На роль гитариста рассматривались несколько фигур, но список лучших и относительно свободных в то время мастеров гитары был довольно ограничен: Джефф Бэк, Мик Ронсон, Клем Клемпсон, Рори Галлахер, Харви Мендел, Уэйн Перкинс...


Но большинство героев данного списка были слишком самодостаточными личностями, чтобы замыкать себя в рамках группы, типа Deep Purple. Ни Джефф Бэк, ни Галлахер, ни Ронсон не вписались бы ни под каким соусом. Алекс Харви, чья группа The Sensational Alex Harvey Band была на пике популярности в 1975-м, вспоминал про те годы: "У меня постоянно пытались стащить гитариста [это был Зэл Клеминсон]. То Rolling Stones, то Deep Purple постоянно ошивались вокруг. Я им посоветовал отвалить по-хорошему."


Томми Болина "откопали" в Лос-Анджелесе, он жил в Малибу всего в трех кварталах от музыкантов Deep Purple и его позвали попробовать поиграть вместе. Он пришел и понравился им с первых аккордов. У самого Болина были некоторые предубеждения относительно английских рок-групп, но поиграв с Deep Purple вживую, он был приятно поражен и заявил, что "они оказались очень американской английской группой. Ну, в смысле, они выросли на тех же корнях, что и я, и это меня очень порадовало - ну там Сэм и Дэйв, Motown и т.п."
Завершив запись своего сольного альбома, Томми Болин в июле 1975 официально вошел в состав Deep Purple.

А в августе- сентябре они уже записывали в мюнхенской студии Musicland альбом Come Taste the Band, в который Болин внес приличный вклад, став соавтором семи из девяти песен альбома. Запись с Болином предоставила группе значительную творческую свободу, о какой и речи не могло идти за всю предыдущую историю существования Deep Purple, поскольку Ричи Блэкмор обычно довлел над творческим процессом. Многие относят Come Taste the Band к одной из слабейших работ группы. В коммерческом отношении это не был провал, но для бывшей супергруппы уж конечно неудача - 19-е место в Соединенном Королевстве и 43-е - в США.

С годами произошла переоценка альбома. В свое время Come Taste оттолкнул основную армию поклонников Deep Purple, потому что нес совершенно другую, непривычную им, энергию. Сейчас, спустя годы, альбом вызывает интерес благодаря талантливому вкладу Томми Болина, да и общей своей интересной ауре. А последние вещи в альбоме - This Time Around с встроенным в нее экспрессивным инструменталом Owed to 'G' - последним бенефисом Болина и You Keep on Moving можно смело отнести к "нетленке" Deep Purple.

https://www.yaplakal.com/forum31/topic2097285.html



------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:10

Electric Light Orchestra- Face the Music
Альбом-это главный итог развития первого периода творчества знаменитых симфонических прогрессивных/арт-рокеров Electric Light Orchestra, в котором, оставаясь верными избранному изначально помпезному и мелодичному арт-року с обильным использованием струнных инструментов и частичной "битловщины" в мелодиях, группа стала ещё более активно использовать в песнях сочные поп-мотивы, которые пошли на пользу творчеству группы и сделали её стилистику максимально интересной.

Конечно же, в плане поп-мотивов здесь большая заслуга авторского таланта Джеффа Линна. Но, помимо этих поп-мотивов, звучание группы получалось наиболее узнаваемым и благодаря бОльшему использованию синтезаторных атмосферных проигрышей-переливов - их симбиоз со струнными заложил основу звучания, которое группа разовьёт уже максимально ближе к началу 80-х.
Альбом в целом построен на мощной музыкальной концепции, где "эмоциональная волна" идёт постоянно вверх-вниз: к примеру, начинается пластинка с инструментальной Fire On High, где классическая помпезная оркестровка ELO резко переходит в драйвовый акустический поп-рок. А затем всё резко сменяется лирической балладой всё в том же любимом "битловском" формате Джеффа Линна - Waterfall.

Безусловно, самые мощные хиты с альбома и одни из самых показательных вообще в творчестве группы - это Evil Woman, Nightrider и Strange Magic, вышедшие отдельными синглами и являвшиеся ярчайшими примерами идеального баланса между арт-рок-помпезностью с оркестровкой, прогрессив-рок-атмосферностью и лирико-депрессивной поп-рок-мелодичностью, иными словами, звучания-"визитной карточки" ELO.

Добавило статусности альбому первое появление в составе группы бас-гитариста Келли Гроуката и виолончелиста Мелвина Гейла. Келли Гроукат стал с тех пор чётким вторым вокалистом команды. Его мягкий голос удачно перекликался с более "пробивным" голосом Джеффа Линна. На этой пластинке этот контраст лучше всего понять в песне Nightrider, где Джефф и Келли разделили партии пополам. А в полурок-н-рольной песне Poker Келли полностью спел сам.
Можно на альбоме заметить иногда и жанровые приколы, как, к примеру, в кантри-мотивах в Down Home Town. Со своей фирменной "грустью" в мелодиях завершается альбом композицией One Summer Dream, такое ощущение, что задумка всей пластинки была оставить слушателя в конце немного расстроенным, но обогатившимся морально и духовно, как бы банально ни звучало.

«Evil Woman»

10cc-«The Original Soundtrack»
"Оригинальный саундтрек" - третий альбом группы 10сс. Первые два альбома "10сс" (1973) и "Sheet Music"(1974) не принесли группе большого успеха, хотя некоторые синглы достигали верхних строк в британских чартах. Переломным стал "The Original Soundtrack", когда представители звукозаписывающей компании Mercury Records, услышали песню "I'm Not in Love" с уже готового альбома. Сразу был подписан контракт на миллион долларов и пять альбомов, а песня заняла №1 в Британии и 2 место в США, была многократно перепета другими исполнителями и даже признана лучшей песней наряду с "Bohemian Rhapsody" Queen. Что касается "Богемной рапсодии", то весь альбом целиком и другая песня с альбома "Brand New Day" послужили Фредди Меркури основой для создания своего шедевра. Легко заметить сходство, в том числе музыкальное, в начале песен ("Open your eyes"), в переходе "here boy, there boy - easy come, easy go", в упоминании, что дьявол завладел героем и в последних аккордах.


Первая композиция альбома "Une Nuit A Paris", трёхактная мини-опера, выполненная в виде пародии на мюзиклы и фильмы о жизни американцев в Париже (мелодия из неё звучит также в увертюре к "Призраку Оперы" Эндрю Веббера), могла натолкнуть Меркури на написание знаменитой песни, а её название явно позаимствовано в названии альбома Queen "A Night at the Opera". Заключительная песня альбома The Film of My Love, также являющаяся пародией на песни из музыкальных фильмов 30-50-х годов (её стиль Фредди тоже использовал в "Seaside Rendesvous") завершает пародийно-ностальгическую концепцию альбома, в которой выдержаны все композиции.

https://www.yaplakal.com/forum31/st/25/topic2182363.html

« I'm Not In Love»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:10

Ritchie Blackmore’s Rainbow

17 мая 1975 года был выпущен дебютный студийный альбом англо-американской хард-рок группы Rainbow "Ritchie Blackmore’s Rainbow". В чартах Британии лонгплей занял 11-е место, в США — 30-е.
К 1975 году Ричи Блэкмор всё больше и больше разочаровывается в музыке Deep Purple, и всё больше времени проводит с музыкантами из группы Elf, особенно с Дио. B феврале 1975 года образовался перерыв в туре Deep Purple, и Ричи с группой Elf вылетает в Германию для записи дебютного альбома. Формально Блэкмор ещё состоял в Deep Purple, но его мысли были полностью обращены к новой группе. Иногда забывшись, он начинал играть на концерте Deep Purple материал из Rainbow. 7 апреля 1975 г. в Париже состоялся последний концерт Deep Purple с Блэкмором (до воссоединения «золотого состава» Deep Purple в 1984 г.), и в жизни Ричи началась эпоха Rainbow..
В 1974 году родной DEEP PURPLE надоел Ричи Блэкмору хуже горькой редьки. Во-первых, ему не нравился крен музыки группы от рок-н-ролла в сторону фанка. Во-вторых, просто захотелось самореализоваться — вне рамок именитого коллектива.


Ричи Блэкмор:
«Я хочу быть самим собой. Денег я уже заработал достаточно — теперь поиграю в своё удовольствие. Получится у меня это или нет — не имеет значения».
Главным соратником Блэкмора в новом начинании неожиданно стал вокалист группы ELF, с которой DEEP PURPLE в то время гастролировал. Настоящее имя певца было Рональд Павадона, а сам он происходил из семьи итальянцев, эмигрировавших в США. Однако для сцены парень выбрал другое итальянское словечко – Дио – мягко крайне нескромное.
Парень не удался ростом, зато голос у него был действительно божественный, да ещё и кое-какие поэтические таланты имелись. Во время одной из совместных посиделок в лос-анджелевском кабачке «Rainbow» Ричи подкинул Дио пробное испытание — придумать текст к одной из его мелодий. Уже на следующий день текст был готов, и на свет появилась песня под названием «Sixteenth Century Greensleeves» («Зелёные Рукава XVI века»). Плюс ко всему выяснилось, что Ричи и Дио одинаково увлечены Средневековой эстетикой: гитарист давно любил музыку эпохи барокко, а вокалист — всяческие сказания и легенды.


Дио:
«Я хотел бы жить во времена короля Артура. Жаль только что у них не было туалетов со смывом. Я читал все легенды, это отличная отдушина для меня. Когда я пишу песни, я изолируюсь от всего, что происходит, и возвращаюсь в дни Средневековья. Ричи больше увлекается средневековой музыкой, чем я, но я думаю, наша обоюдная любовь к этому периоду это именно то, что на самом деле свело нас».
Проблему с остальным составом решили просто — Дио взял и увёл под крыло Блэкмора практически всю свою группу ELF. В результате, возник новый проект RAINBOW, оттянувший на себя внимание многих поклонников DEEP PURPLE. Оно и понятно — с уходом Гиллана, а теперь и Блэкмора, старый коллектив окончательно утратил своё «классическое» обличье.
Продюсеры Блэкмора настаивали, что в целях рекламы название новой группы обязательно должно содержать его имя. Гитарист пошёл на уступку, и первый альбом нарекли «Ritchie Blackmore’s Rainbow».


Первым синглом альбома стала песня «Man On The Silver Mountain» с запоминающимся гитарным риффом и мифическом текстом. Он поётся от лица некоего мессии, который призывает слушателей сделать его объектом поклонения («Приди и сделай меня снова святым»). С учётом атмосферы рок-концертов эти строчки звучали более чем наглядно. Более того — когда первый вокалист RAINBOW в 2010 году умрёт, на его могиле так прямо и выбьют: «Человек на Серебряной Горе Ронни Джеймс Дио».
Дебютный альбом вообще вышел очень разнообразным и довольно успешным (№11 в Британии, №30 в США). Дио и вовсе считал его лучшим.
Дио:
«Прежде всего, потому, что он был первым. Именно на нем помещены самые сильные композиции RAINBOW. …Имеет значение так же то, что этот альбом создавался в наиболее радостной, наиболее счастливой атмосфере».
И хотя сам Дио считал лучшей песней пластинки лирическую «Catch the Rainbow», наиболее долгоживущей и любимой у многих слушателей стала другая баллада «The Temple Of The King» .


Недаром эту безумно красивую вещицу Блэкмор в 2013 году перезапишет для своего нового проекта BLACKMORE’S NIGHT и посвятит памяти Дио.
Надо сказать, что Ричи никогда не стеснялся признавать, что нередко черпает свои идеи в творчестве других музыкантов. Так «Catch the Rainbow» была вдохновлена композицией Джими Хендрикса «Little Wing», а на мотив «The Temple Of The King» Блэкмора и вовсе натолкнула мелодия из какой-то ТВ-передачи для йогов («Я её просто немного переделал»).

https://www.yaplakal.com/forum2/topic2290980.html



Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:10

Rush-Fly By Night

1975 год стал годом, когда Rush действительно стали Rush: первые записи были сделаны после прихода в группу барабанщика и лирика Нила Пирта. В течение этого года группа выпустила два альбома, Fly By Night и Caress of Steel, которые запечатлели удивительную эволюцию канадского трио от прямолинейных хард-рокеров к ярко выраженному стилю сложного, прогрессивного рока с динамичными музыкальными аранжировками и лирической глубиной. В течение этого года группа также пережила резкий взлет и падение популярности, поскольку эти альбомы были совершенно по-разному приняты с точки зрения продаж и критики. Этот факт в конечном итоге определил музыкальное видение группы на годы вперед.
https://www.yaplakal.com/forum31/topic2055741.html

«Fly By Night»

Fleetwood Mac – Fleetwood Mac

11 июля 1975 года обновленная группа Fleetwood Mac выпустила свой десятый студийный альбом, который назвали очень просто и символично – “Fleetwood Mac”. Причина в том, что вместе с изменениями в коллективе музыкантов, произошли перемены и в музыке, которую они играли. Кстати, это уже было второе подобное название, которое группа использовала для своих пластинок. Первое было в 1968 году.

У каждой интересной работы существует своя предыстория, представляющая собой цепочку событий, растянутых по времени и приведших к определенному результату.

В 1974 году, осознав, что добиться популярности в Америке, находясь при этом в Англии, почти невозможно, группа Fleetwood Mac перебирается в Калифорнию. Здесь и начались их «творческие метания», приведшие к тому, что гитарист Боб Уэлч покинул коллектив, организовав свой собственный ансамбль. Замена Уэлчу нашлась не сразу. Мик Флитвуд однажды услышал в студии песню Линдсея Бакингема и его подружки Стиви Никс. Запись понравилась – Бакингема пригласили в группу. Тот согласился при условии, что Стиви Никс придет в Fleetwood Mac вместе с ним. Так сформировался основной и уже десятый состав группы, которому будет суждено добиться мировой известности.

Альбом записали за три месяца. Хрипловатый вокал Стиви Никс оказался как нельзя кстати. Она еще и оказалась талантливым автором. Некоторые песни были написаны певицей еще до сотрудничества с Fleetwood Mac и предназначались для второго альбома дуэта с Бакингемом: “Rhiannon”, “ I’m So Afraid”, “Monday Morning”.
Вышедшая пластинка не сразу была принята слушателями. Но музыканты Fleetwood Mac сделали невозможное – они отправились в турне со своей новой программой, выступая во всех местах, где был хотя бы намек на сцену – «вкалывали» как проклятые. Через пятнадцать месяцев интенсивной работы одноименный альбом группы Fleetwood Mac поднялся на вершину музыкальных чартов. А еще через год пластинки группы будут продаваться миллионными тиражами. Но это уже другая история… А пока давайте наслаждаться спокойным и нежным альбомом “Fleetwood Mac” с великолепной “Rhiannon” и завораживающей “I’m So Afraid”.

Группа интересна тем, что на обложках альбомов, за исключением “The Dance”, группа никогда не изображается в полном составе. Не является исключением и пластинка 1975 года – барабанщик Мик Флитвуд и бас-гитарист Джон Макви являются действующими лицами данной обложки.
«Everywhere»

John Lennon - Rock & Roll
17 февраля 1975 года в США вышел шестой студийный сольник Джона Леннона – «Rock ’n’ Roll». (Британский релиз состоялся двадцать первого).

Все тринадцать треков – каверы на рок-н-ролльные хиты пятидесятых и начала шестидесятых. В своё время Моррис Леви, владелец Big Seven Music , усмотрел сходство битловской «Come Together» с «You Can 't Catch Me» Чака Берри, права на которые принадлежали его лейблу. Судебное разбирательство закончилось соглашением, по которому Леннон обязался включить в свой следующий альбом три песни Big Seven Music.
Джон разлучился с Йоко, переехал в Нью-Йорк с её ассистенткой Мэй Пэнг, и приступил к записи «Walls and Bridges», в который вошла только одна песня, принадлежащая Big Seven Music. Леви возобновил судебные претензии, и, фактически, вынудил Леннона выдать новый альбом. Изначально Джон предоставил полную свободу Филу Спектору, но сессии с участием 30 музыкантов проходили, что называется, «в пьяном угаре»: однажды продюсер явился в костюме хирурга и пальнул из пистолета в потолок, от чего Джон на время оглох. Затем на пульт опрокинул бутылку виски, а Спектор, тайком от Леннона, вынес из студии мастер записи и на несколько месяцев «пропал с радаров».

В марте 1974-го Спектор, после автомобильной аварии, оказался в коме, так что Джону пришлось взяться за продюсирование лично. Первым синглом вышел знаменитая «Stand by Me», записанная американским певцом и автором Беном Эрлом Кингом в 1961-м. Версия Леннона достигла 30-й позиции в UK Singles; замкнула «двадцатку» US Billboard Hot 100 и US Cashbox Top 100; заняла 22-е место в ФРГ, 19-е в Австрии и 13-е в Канаде.
«Ya Ya», кавер на песню, записанную американским певцом и автором Ли Дорси в 1961-м, вышла синглом только в ФРГ.
Первоначально Леннон планировал использовать для оформления свои детские рисунки, но, в конечном счёте, для обложки было выбрано фото Юргена Фоллмера, сделанное ещё во время выступлений битлов в Гамбурге. (Силуэты на переднем плане – Маккартни, Харрисон и Стю Сатклифф).
«Rock ’n’ Roll» достиг 37-го места в ФРГ; 20-го в Швеции; 12-го в Японии; 11-го в Новой Зеландии; 9-го в Норвегии; шестого в UK Albums и US Billboard 200; пятого в Австралии и Канаде. Альбом станет золотым в Великобритании и США, а Леннон сделал паузу в карьере, чтобы заняться воспитанием сына Шона. «Rock ’n’ Roll» был переиздан с бонусами.

«Stand By Me»

David Bowie - Young Americans
Young Americans-девятый студийный альбом Дэвида Боуи, изданный 7 марта 1975 года на лейбле RCA Records.
На этом альбоме Боуи сделал неожиданный шаг в новом музыкальном направлении, оставляя глэм-рок в прошлом и исследуя стиль филадельфийский соул при поддержке молодого певца Лютера Вандросса. Сам музыкант назвал стиль альбома «пластиковый соул» , описав его как «раздавленные остатки этнической музыки, выживающие в эпоху музыкального рока, написанного и спетого белым англичанином».
«Young Americans» стал его первым альбомом, сингл из которого достиг вершины американского хит-парада. Успех был обеспечен композицией «Fame», написанной в соавторстве с Джоном Ленноном, который также исполнил бэк-вокальную партию и сотрудничестве с Карлосом Аломаром ,он исполнил бэк-вокальныую партию и сочинил основной рифф песни, которое, в конечном итоге, переросло в их партнерство на десяти студийных альбомах Боуи.
«Young Americans» упрочил популярность Боуи в США, вскоре было продано более полумиллиона копий диска на американском рынке, он стал его первым альбом достигшим вершины американского чарта. Диск оставался в числе наиболее популярных альбомов, в течение всего года.
Период с 1975 по 1976 годы был зенитом коммерческой успешности Боуи на музыкальном рынке США, количество продаваемых дисков исчислялось миллионами.
В 2013 году NME поставил альбом на 175-е место в списке 500 величайших альбомов всех времен и народов. Альбом был также включен в список 1001 альбомов, которые вы должны услышать, прежде чем умрете.
«Fame»

Aerosmith - Toys In The Attic
Aerosmith добились первого настоящего коммерческого успеха со своим третьим альбомом Toys in the Attic. Выпущенный в 1975 году, этот альбом устанавливает отчетливое рок-звучание группы, уделяя больше внимания массовой привлекательности, и представляет собой высокую отметку начального этапа группы в 1970-х годах. Помимо пары громких хитов, альбом наполнен солидными композициями, которые в основном представляют собой добротный рок на основе блюза с достаточным количеством поджанров, чтобы сделать его очень интересным для прослушивания от корки до корки.
«Walk This Way»

Elton John – Captain Fantastic & The Brown Dirt Cowboy

Глядя на красочную обложку этого диска представляется, что это должно быть похоже на продолжение Yellow Brick Road - что-то такое же яркое и мультяшное. Но нет, в противоположность Yellow Brick Road, который сам по себе напоминает старую детскую книжку с разноцветными картинками, Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy - это нечто более серьезное и рефлексивное.
Под этими "псевдонимами" скрываются, как известно, сам Элтон и его напарник Берни Топин; соответственно, сам альбом по замыслу представляет собой цикл историй об их сотрудничестве - даже если это не всегда очевидно из текстов.
Captain Fantastic - скорее плавный и благозвучный, радующий красивыми аранжировками, а также глубоким, объемным - иногда даже филспекторообразным - звуком. За исключением известной Someone Saved My Life Tonight (еще одной патетической баллады от Элтона) и бодрой, прыгучей Meal Ticket, здесь практически нет моментальных хитов, но нет и бессодержательных эксцентричных вещей, которые портили предыдущий Caribou, да и даже некоторые другие, более успешные альбомы; это очень цельная пластинка. Можно сказать, что после ухода в развлекательный поп-жанр Элтон здесь начинает возвращаться к более серьезной музыке. И это даже никак не сказывается на его успехе в чартах.

«Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy»

Bruce Springsteen - Born To Run
Монументальный и самый известный альбом Брюса Спрингстина и The E Street Band под названием Born To Run поразил и взорвал всю Америку. Он впервые появился на прилавках 25 августа 1975 года и с тех пор уже успел стать настоящей классикой рок-музыки.

-Born To Run – это третий студийный альбом Брюса Спрингстина и The E Street Band. Музыкант говорил о нем так: «Когда я писал Born To Run, то думал, что создам лучшую рок-н-ролл пластинку за всю историю».

-Предыдущие два релиза артиста – Greetings From Asbury Park, New Jersey (1973) и The Wild, The Innocent and the E Street Shuffle (1974) – провалились в чартах. Born To Run стартовал с третьей строчки.

-На сегодняшний день продажи Born To Run превысили шесть миллионов копий.

-В 1974 году Columbia Records грозились отказаться от работы с The E Street Band, поэтому Брюс Спрингстин сосредоточился на концертах и начал собирать залы в Нью-Йорке и Массачусетсе.

-После одного из его шоу критик Rolling Stone Джон Ландау написал рецензию, которая изменила весь ход творческой деятельности Спрингстина. Главная идея его статьи может быть сведена к одной строчке: «Я увидел будущее рок-н-ролла, и его имя – Брюс Спрингстин».

-Более развернутая цитата выглядит так: «Все прошлое рок-н-ролла промелькнуло у меня перед глазами. И я увидел еще кое-что: я увидел будущее рок-н-ролла, и его имя – Брюс Спрингстин. В тот вечер, когда мне больше всего хотелось почувствовать себя молодым, он заставил меня почувствовать, как будто я слышу музыку впервые в жизни».

-После такой рецензии Спрингстин обратился к Ландау с просьбой стать сопродюсером Born To Run.

-Джон Ландау вскоре стал менеджером Спрингстина и продюсировал все его альбомы вплоть до Human Touch и Lucky Town 1992 года. Сегодня они остаются близкими друзьями.

-Спрингстин использовал для написания песен для Born to Run только пианино. По его словам, он хотел добиться звучания как будто «Рой Орбисон поет песни Боба Дилана, а продюсирует это все Фил Спектор».
-Когда пришло время записывать титульный трек, Спрингстин включил перфекциониста и сидел на студии полгода, записывая и перезаписывая песню по сто раз.

-Гитарист The E Street Bamd Стивен Ван Зандт позже говорил: «Если ты проводишь шесть месяцев на студии, всегда что-то идет не так. Запись песни должна занимать около трех часов».

-Существовало несколько альтернативных версий песни Born To Run, в том числе с женским хором, струнными инструментами и более мрачной лирикой о саморазрушении и насилии.

-В качестве би-сайда к синглу Born To Run выпустили песню Meeting Across the River. Композиция была посвящена нью-йоркским мафиози, которые пересекают Гудзон, чтобы найти работу в Нью-Джерси.

-На обложке первой партии пластинок с синглом название было написано курсивом, а Meeting Across the River называлась The Heist. Сейчас найти такой винил очень сложно, он считается весьма ценным среди поклонников Спрингстина.

-Брюс так до сих пор и не объяснил, почему альбом называется Born To Run. В документальном фильме о создании пластинки он признается: «Я все еще понятия не имею, что оно означает, но это что-то важное!»

-Обложку для альбома создал известный фотограф Эрик Меола. На ней Спрингстин изображен с Fender Telecaster в руках. Музыкант облокачивается на плечо саксофониста Кларенса Клемонса.

-Фотосессия для обложки заняла три часа, и Меола сделал около 900 снимков.

-Columbia Records вложили в продвижение Born To Run 250 тысяч долларов, рекламная кампания была направлена на рок-фанатов и рок-журналистов. Все сработало прекрасно!

-27 октября 1975 года Брюс Спрингстин появился одновременно на обложках Time и Newsweek. Ранее такой чести были удостоены только политики.

-Статья в Time за авторством Джея Кокса называлась «Новая рок-сенсация». Журналистка Newsweek Джэнет Хак написала статью «Создание рок-звезды», однако в ней она в первую очередь хвалила не талант музыканта, а рекламную кампанию лейбла. Спрингстину такой отзыв не понравился, он заявил, что считает большой ошибкой попытку сделать из него «будущее рок-музыки».

-Спустя много лет Спрингстин начал признавать успех Born To Run. Вводя U2 в Зал Славы Рок-н-ролла в 2005 году, Брюс сказал: «Стыдно хотеть так многого и так много ожидать от музыки, но иногда чудеса случаются – The Sun Sessions, Highway 61, Sgt. Pepper’s, Exile on Main Street, Born To Run – упс, последний я называть не планировал».

https://www.yaplakal.com/forum31/topic2137308.html


«Backstreets»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:05

Roxy Music – Siren
Siren («Сирена») — пятый студийный альбом британской арт-поп / глэм-рок-группы Roxy Music, выпущенный 24 октября 1975 году на Island Records в Великобритании и на ATCO Records в США. Продюсер – Chris Thomas.
Позиция № 371 в списке «500 величайших альбомов всех времён» по версии журнала Rolling Stone.
Брайан Ферри вернул к работе над диском Siren Криса Томаса, до возвращения которого над предыдущим альбомом, Country Life, работал Джон Пюнтер. Впервые в написании композиции альбома участвовал Эдди Джобсон, выступивший в качестве соавтора «She Sells».
На обложке изображена тогдашняя подруга Брайана Ферри – модель Джерри Холл. Ее сняли на суровом скалистом берегу на острове Англси в Уэллсе.
Фотография для обложки альбома создана на острове Саут-Стак, что в Уэльсе, чуть ниже главного пролёта моста. В один день Брайан Ферри, дизайнер фотографии Энтони Прайс и Джерри Холл решили снять фото для обложки Siren, выбрав место возле маяка на Саут-Стак. В августе, когда команда уже собиралась делать снимок, выбранный пейзаж изменился, поэтому участники фотосессии решили работать над снимком на фоне голубого моря. Хотя обложка была сделана в голубом цвете, но сохранились и те фотографии, на которых снимок выполнен в зелёном цвете.
Первым синглом стала композиция «Love Is the Drug», изданная 29 сентября 1975 года. В Великобритании она заняла второе место, уступив первую строчку переизданному треку Дэвида Боуи «Space Oddity», а в США попала на тридцатую строчку чарта Billboard Hot 100.
Вторым синглом стала песня «Both Ends Burning», выпущенная в декабре 1975 года.
Критики положительно оценили альбом. AllMusic сообщил о том, первая композиция диска, «Love Is the Drug», записанная под влиянием «диско», показывает слушателям, что Siren содержит в себе элементы танцевальной музыки и «наглого» попа. Автор рецензии, Стивен Томас Эрлевайн, отметил, что качество песен по сравнению с предыдущим альбомом оставляет желать лучшего, хотя всё-таки и назвал треки «Sentimental Fool», «Both Ends Burning», «Just Another High» лучшими в нём. Как и AllMusic, так и журнал Rolling Stone поставил ему пять звёзд из пяти. Pitchfork поставил ему оценку 8,7 из 10.
Помимо критики, сам Брайан Ферри назвал альбом лучшим в карьере группы, отметив что он сочетает в себе энергию первых двух альбомов и профессионализм двух последних. Siren получил сертификат золотого диска от Британской ассоциации производителей фонограмм за продажу альбома в 100 000 копий.

https://www.yaplakal.com/forum31/topic2121833.html

«Love Is The Drug»


Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:11

Supertramp – Crisis? What Crisis?
Кризис? What Crisis? часто игнорируется в сравнении с другими альбомами Supertramp середины и конца семидесятых из-за отсутствия хитовых синглов или классических рок-радиостанций. Тем не менее, этот четвертый релиз британской группы представляет собой солидную коллекцию песен, которые в совокупности показывают, что группа немного эволюционирует в своем звучании от прог-тяжелых эпиков прошлых работ к более поп-доступным мелодиям своего ближайшего будущего. Что еще более важно, этот материал продолжает звучать свежо и энергично спустя четыре десятилетия после его выхода.
Хотя некоторые члены группы изначально были недовольны «Crisis? What Crisis?», он попал в Топ-20 нескольких национальных чартов и был продан тиражом более миллиона копий по всему миру. Ремастированная версия альбома была выпущена в 2002 году и получила гораздо большее признание, чем при первоначальном выпуске.

https://www.yaplakal.com/forum31/topic1988239.html

«Ain't Nobody But Me»



У меня всё...

Это сообщение отредактировал zeppelman - 3.01.2025 - 12:11

Спасибо!

Знатный был год в отношении музыки.
А я еще даже не родился.
Но сейчас могу сказать, что как минимум половину перечисленных релизов за свою осознанную меломанскую жизнь слушал.
Спасибо, Zepp!

Размещено через приложение ЯПлакалъ

Великие музыкальные вехи 70-х!

Всех - с Новым Годом!!
Спасибо, Zepp, за тему - тут, не год добавлять можно, 1975-й - плодовитый был.
Сразу добавлю: Manfred Mann's Earth Band - Nightingales & Bombers

не все ,но многое у меня на кассетах в архиве лежит ...
порой включаю - вторая дочка на цеппелинов подвисла