Музыка и музыканты 50 лет назад. 1976 год

Предыдущие музыкальные темы ТУТ



Rainbow-Rising
………………………………………………………………………………
Stargazer



Запись Rising, созданная менее чем за месяц, говорит не только о феноменальной сыгранности Rainbow, но и о кристальной ясности их замысла, о четкой иерархии, где Ричи Блэкмор выступал архитектором музыкальных конструкций, а Ронни Джеймс Дио – алхимиком, обращающим мелодии в золото слов.
Особую ценность текстам Дио придает их филигранная отточенность, чеканность каждого слова, проникающего, подобно стреле, в самое сердце слушателя, особенно ближе к кульминации "Stargazer", начиная с рокового "Время остановилось…".

Даже для тех, кто не владеет английским, музыка Rising становится понятной на каком-то глубинном, интуитивном уровне. Неудивительно, что для целого поколения европейских пауэр-метал групп, расцвет которых пришелся на середину 90-х, Rising стал откровением, священным текстом, продиктованным свыше.
В 1976-м эти музыканты были еще впечатлительными подростками, и тексты песен Rainbow, словно фундамент готического собора, по-новому раскрывали, казалось бы, избитые клише пауэр-метала. Взять, к примеру, историю о волшебнике, одержимом полетами, и его армии рабов, строящих башню из камня. Но копните глубже, и увидите неприкрытую тиранию, властное угнетение слабых, аллегорию на извечное стремление человека к власти.

Попытки обнаружить изъяны в Rising обречены на провал. Некоторые критики сетуют на лаконичность альбома или его кажущуюся неровность. И хотя в этих претензиях есть доля правды, подобное впечатление возникает исключительно из-за сокрушительной силы второй стороны пластинки.
Невозможно представить, какой шок вызвала "Stargazer" у слушателей 1976 года, но одно можно утверждать наверняка: эта композиция врезается в память с первого же прослушивания. Простой, но дьявольски цепляющий рифф, гениальный вокал Дио, оркестровка – все это складывается в поистине эпическое полотно.
"A Light in the Black", самый стремительный номер на альбоме, является концептуальным продолжением "Stargazer", отражающим мысли раба после смерти его надменного хозяина, а также демонстрирует взрывную мощь Кози Пауэлла за барабанной установкой. Первая же сторона альбома практически безупречна: открывающая "Tarot Woman" мгновенно задаёт мистическую атмосферу потусторонним синтезаторным вступлением, импровизацией Тони Кэри, погружающей слушателя в дремучий лес, полный таинственных троп и неожиданных поворотов, искусно выписанных клавишами Кэри. И даже в самом, пожалуй, слабом треке альбома, "Do You Close Your Eyes", присутствует привязчивая вокальная партия, предшествующая припеву.


Игра Ричи Блэкмора на Rising отличается от его работы в Deep Purple: она менее агрессивна и дика, но ничуть не менее эффективна. Его недооценённые риффы врезаются в память, а соло, как всегда, идеально вплетаются в плотную ткань песен, создавая яркие проблески внутри общего великолепия. Обложка альбома, как нельзя лучше, передает музыкальное настроение диска. А те, кто решится послушать лос-анджелесский микс альбома, откроют для себя приятные басовые партии, сыгранные Джимми Бейном. Да, возможно, Rising и мог бы быть длиннее, но уникальное сочетание эмоций, мощи и таланта, которые каждый участник привнес в Rainbow, делает этот альбом настоящим памятником хард-рока, его неприступной вершиной.

нажать

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:53

Black Sabbath-Technical Ecstasy
………………………………………………………………………………….
She's Gone


С выходом седьмого студийного альбома – "Technical Ecstasy", многие считают первой серьезной осечкой Black Sabbath.

В "Technical Ecstasy" группа с головой окунулась в эксперименты со звуком и стилем. От былой тяжести почти не осталось и следа, зато синтезаторы вышли на авансцену. Некоторые треки, как, например, "Rock N’ Roll Doctor", сложно идентифицировать как метал.
Эта композиция – неудачная попытка заигрывания с поп-роком, в то время как "All Moving Parts (Stand Still)" и "Gypsy" звучат на удивление задорно и даже оптимистично, с отчетливыми элементами фанка.
На альбоме также нашлось место двум балладам: "It’s Alright" и "She’s Gone". Примечательно, что вокал в "It’s Alright" исполнил барабанщик Билл Уорд. В итоге, на "Technical Ecstasy" всего три песни выдержаны в духе классического хэви-метала, и именно они являются главными жемчужинами альбома.
"Back Street Kids" – быстрая и энергичная композиция с запоминающимися риффами и оригинальным бриджем. "You Won't Change Me", несмотря на обилие синтезаторов, отличается проникновенной мелодичностью и не уступает лучшим моментам альбома. А завершает эту троицу эффектная "Dirty Women" – почти семь минут убойных риффов и соло, достойных лучших работ группы времен "Sabbath Bloody Sabbath".


Даже если отбросить в сторону хэви-метал составляющую, в "Technical Ecstasy" есть на что обратить внимание. Обе баллады по-своему хороши. Вокал Билла Уорда звучит свежо и искренне, хотя сама песня "It's Alright" может показаться несколько приторной. "She's Gone", напротив, обладает прекрасной атмосферой, но ей явно недостает вокальной мощи – Оззи Осборн никогда не был известен своим умением петь чисто. Трио треков от "Gypsy" до "Rock N' Roll Doctor" – пожалуй, самое слабое место альбома, но даже в них, особенно в первых двух, можно найти приятные моменты, которые не позволяют им окончательно провалиться.


Несмотря на определенные недостатки в songwriting, "Technical Ecstasy" демонстрирует состоятельность в других аспектах. Звук отполирован до блеска, напоминая лучшие работы времен "Sabbath Bloody Sabbath", а вокал Оззи в "тяжелых" треках звучит на удивление мощно и является одним из самых ярких моментов в его карьере. Хотя, конечно, в некоторых других композициях его вокальное исполнение оставляет желать лучшего. Остальные участники группы также демонстрируют высокий уровень мастерства, особенно радует вокал Билла Уорда.


В итоге, "Technical Ecstasy" – это альбом, который многие фанаты Sabbath одновременно любят и ненавидят. Да, привычный саунд группы претерпел изменения, но это не всегда плохо. Да, в альбоме есть откровенно слабые треки, но есть и потрясающие, которые незаслуженно остаются в тени. Эти композиции, великолепная работа продюсера и мастерство музыкантов – все это стоит того, чтобы потратить время на "Technical Ecstasy", хотя и недостаточно, чтобы назвать его шедевром. Альбом, безусловно, стал предвестником грядущего кризиса Black Sabbath.

НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:13

AC/DC - Dirty Deeds Done Dirt Cheap
……………………………………………………………………………………
Dirty Deeds Done Dirt Cheap



Вскоре после выпуска второго альбома на Atlantic Records AC/DC столкнулись с неожиданным отпором. "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" – дерзкое название, предвосхитившее содержание, – был сочтен лейблом слишком грубым для мейнстрима и отправлен на полку. Американского релиза пришлось ждать до триумфального восхождения AC/DC в 80-х.


Тем не менее, зубодробительный гимн, открывающий альбом, навсегда прописался в концертных сет-листах. Среди разгула беспардонных песен – от фривольного "Big Balls" до неистового "Rocker", где Бон Скотт предстает мифическим "сорвиголовой", – в трагической "Ride On" вдруг проглядывает уязвимый человек, скрытый за личиной рок-н-ролльного бога.
Джефф Бартон из Classic Rock отметил: "Dirty Deeds – дьявольски хорош, вероятно, пик творчества Скотта в AC/DC".

Причина такой смелой оценки кроется в "Ride On" – возможно, величайшей блюзовой балладе в истории, выделяющейся на фоне типичного AC/DC с их мощным заглавным треком и хулиганской "Problem Child".

После трагической смерти Скотта в феврале 1980 года одиночество и тоска, пронизывающие "Ride On", обрели новый, душераздирающий смысл. Именно поэтому "Dirty Deeds" навсегда останется альбомом, в котором звучит эта песня.

НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:12

Queen- A Day at the Races
……………………………………………………………………………………………..
Somebody To Love


После оглушительного успеха «A Night at the Opera» 1975 года, альбома, вознесшего Queen на музыкальный Олимп вопреки прежним насмешкам, мир замер в ожидании. Удастся ли им удержать планку? «A Day at the Races», выпущенный в декабре 1976 года, не стал кардинальным экспериментом. Он отбросил часть помпезности предшественника, но сохранил фирменный стиль Queen, добавив свежие краски в палитру звучания и вновь поразив слушателей.


Альбом пронизан узнаваемыми чертами Queen: многослойные вокальные гармонии, ироничный водевиль (название, как и прежде, позаимствовано из фильма братьев Маркс). Но на этот раз звучание стало более скромным и прямолинейным. "Tie Your Mother Down" обрушивается взрывной гитарной яростью после эффектного вступления Брайана Мэя, словно возвращая слушателя к корням сырого рок-н-ролла. В противовес ей, баллада "You Take My Breath Away" пленяет интимностью: голос Фредди Меркьюри и фортепиано создают невероятно трогательную мелодию, постепенно обрастающую вокальными слоями, но сохраняющую камерную атмосферу.


Подлинный взрыв эмоций происходит там, где Queen демонстрируют свой прогрессив-рок потенциал. "Somebody to Love" с ее госпел-гармониями и вальсирующим фортепиано – давно признанная классика. Но подлинная жемчужина альбома – "The Millionaire Waltz".

Сложная басовая партия Джона Дикона, воздушные фортепианные пассажи и мастерская динамика создают неповторимую атмосферу. В середине композиция взрывается гитарными риффами и парящим вокалом, но это мгновение так же мимолетно, как и прекрасно. "Good Old-Fashioned Lover Boy" – воплощение беззаботного веселья, где ювелирно выверенные вокальные гармонии и стремительное фортепиано создают радостное настроение.
Музыканты демонстрируют невероятную сыгранность, предоставляя друг другу возможность блистать в сольных партиях. Наряду с этим, в альбоме присутствуют и более мрачные оттенки. "You Take My Breath Away" и "Long Away" пронизаны печалью. Меланхоличные аккордовые последовательности Брайана Мэя в "Long Away" создают ностальгическое настроение, рассказывая об одиночестве и изоляции.


Недостаток ли, что в альбоме отсутствует общая концепция, столь четко прослеживаемая в «A Night at the Opera»? "A Day at the Races" – скорее сборник ярких, запоминающихся песен. Однако это дарит слушателю свободу выбирать любимые композиции и наслаждаться ими вне контекста всего альбома. В целом, это один из самых сильных альбомов Queen, уступающий «A Night at the Opera» лишь в концептуальной цельности, но едва ли в музыкальном великолепии.

Led Zeppelin - Presence
…………………………………………………………………………………..
Achilles Last Stand


В 1975 году Led Zeppelin достигли пика славы: все шесть их альбомов, включая Physical Graffiti, одновременно вошли в топ Billboard 200. Несмотря на жизнь в США из-за налогов, группа дала несколько концертов в Лондоне, признанных многими вершиной их творчества. За внешним успехом скрывались внутренние проблемы: изматывающий график, ощущение предела и личные трудности музыкантов. Джимми Пейдж предчувствовал беду и злоупотреблял наркотиками, Джон Бонэм терял контроль, а Джон Пол Джонс держался обособленно.


Летом Роберт Плант с семьёй попал в автокатастрофу на Родосе. Дети получили ушибы, Плант сломал лодыжку и локоть, а его жена Морин получила тяжёлые травмы головы и таза, оказавшись на грани жизни и смерти. Благодаря оперативной реакции гастрольного менеджера Ричарда Коула, Морин удалось доставить в больницу. Травма Планта привела к отмене американского тура и миллионным убыткам. Поползли слухи, связывавшие несчастья с увлечением Пейджа чёрной магией, во что поверил и сам Плант, ставший суеверным.


Чтобы преодолеть трудности и компенсировать убытки, Led Zeppelin приступили к записи нового альбома. Работа над Presence началась в Лос-Анджелесе в сентябре 1975 года. Альбом отличался жёстким звучанием с элементами фанка. Все музыканты, включая травмированного Планта, работали с полной отдачей. Альбом был записан в Мюнхене всего за 18 дней, так как студия была забронирована Rolling Stones. Пейдж, работая без сна, завершил работу над альбомом вовремя. Он назвал эту работу "решающей проверкой всего нашего образа жизни", которую группа выдержала.

НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:12

Led Zeppelin -The Song Remains the Same
………………………………………………………………………………………………………..
Since I've Been Loving You


"The Song Remains the Same" – лоскутное одеяло из трех концертов, ибо Led Zeppelin были слишком необузданны, чтобы каждый вечер играть как на пластинке. То, что не успели заснять, досняли позже в студии – Джон Пол Джонс даже щеголял париком.
Джимми Пейдж в своей биографии "Когда гиганты ходили по земле" признавался, что саундтрек "не лучшее из живых выступлений, но подходило под картинку… не "Волшебная ночь", конечно, но и не катастрофа. Такая честная, крепкая середина". Впрочем, саундтрек оживает в паре с фильмом, который идет в "супер-пупер делюкс бокс-сете" с бонусами и эссе от самого Кэмерона Кроу.

Фильм, как водится, демонстрирует концертные кадры, немного закулисья (с акцентом на их менеджере, Питере Гранте, – известном любителе мишуры и построения всех в колонну), и, самое безумное, – сюжетные вставки, где каждый участник группы предстает в виде аллегории.
Джимми Пейдж покоряет горную вершину, а Роберт Плант, прибыв на лодке к берегу, хоронит в песке пылающий меч и вступает в схватку с рыцарями, чтобы спасти прекрасную даму. Эти сцены, казавшиеся нелепыми еще на премьере (фильм вышел с полуторагодовым опозданием и был переделан двумя режиссерами), критики разнесли их в пух и прах, но они – кривое зеркало раздутого эго.
В остальном – дикий драйв: Плант в расстегнутой рубахе, впивающийся губами в микрофон; блистательные эполеты Пейджа и трагедия его двухгрифовой гитары; "Моби Дик" целиком – барабанное соло, настолько визуально ошеломляющее, что остальные участники группы просто уходят перевести дух.


"Цеппелины" еще не перешли черту – падение начнется с приходом героина, – но звучат уже немного измотанно. Четырёхоктавный вокал Планта начал давать сбои, что заметно по высоким нотам, до которых он едва дотягивается в нарочито сдержанных "Rock and Roll" и "Over the Hills and Far Away". (Последняя, с ее блуждающим соло, вовсе не попала в оригинальную версию фильма.) Но даже Led Zeppelin в такой форме – это эталонное звучание рок-группы на пике. Джон Бонэм молотит по барабанам, пробивая брешь во времени; психоделический, лоснящийся звук гитары Пейджа породил миллион подражаний. Громкость – не рекомендация, а необходимость.


В сухом остатке: это Led Zeppelin в зените славы, почти два часа самой забористой музыки в истории. Если вы питаете хоть малейшую слабость к этой группе или року в целом, здесь вы найдете что-то для себя. Первобытный секс "Whole Lotta Love", космические одиссеи "Dazed and Confused" (скрипичный смычок, несмотря на всю свою напыщенность, все еще звучит круто), убийственный рифф "The Ocean" и "Black Dog". Сбой темпа в заглавной песне – своего рода магический фокус. А отказ Планта от своего "Кто-нибудь помнит смех?" во время "Stairway to Heaven" – момент откровения в песне, которую многие превратили в пошлый символ эпохи классического рока. Рок-звезды скоро разучатся так держаться – без тени иронии. Так почему бы не посмеяться над прическами и париками, если это дарит хорошие впечатления?


Вокальные недочеты Планта тонут в его харизме, а внешность бога солнца во многом обеспечила группе популярность. ("Они думали, это я виноват в том, что у Роберта Планта такой большой член", – сетовал режиссер Джо Массот, которого впоследствии заменили, после раннего показа, вызвавшего у группы отторжение.) Вскоре после этого Плант сломал ногу в автокатастрофе, и начался хаос: Пейдж погружался в наркотический угар, Бонэм – в алкогольный, становясь агрессивным. Страшнее всего – внезапная смерть пятилетнего сына Планта в 1977 году, проложившая эмоциональную пропасть между ним и группой, которую так и не удалось преодолеть до смерти Бонэма в 1980 году. Их золотой век был недолог, но обусловлен эпохой и талантом.


Поскольку Led Zeppelin не работали вместе так долго, как The Rolling Stones, и не стали культурными послами, как The Beatles по отдельности, найти им место в современном контексте непросто. Возможно, банально говорить о закате рок-музыки с 1970-х, но, глядя на это, поражаешься, что миллионы людей когда-то жаждали увидеть, как Роберт Плант сражается на мечах, а Джимми Пейдж встречается с собственным вымышленным воплощением в роли волшебника, и все это под развязные соло и вокальные партии, призванные взрывать мозг.
Это – документальный фильм, запечатлевший и объясняющий конкретный момент времени. В отличие от многих концертных фильмов, здесь обильны кадры с публикой. Особенно врезались в память двое фанатов во время исполнения "Since I've Been Loving You": дама в расшитом халате, сложив руки, как на оперном представлении, и мужчина с усами, застывший с открытым ртом, словно зачарованный, и медленно расплывающийся в улыбке.

Kiss – Destroyer
……………………………………………………………………………………
Detroit Rock City




Kiss сорвали банк! «Alive!» выстрелил ими прямиком на Олимп рок-н-ролла, превратив в королей концертных площадок от Атлантики до Тихого океана. Финансовая удавка, душившая их творчество, наконец ослабла. Больше не нужно штамповать сырые альбомы ради выживания! Пришло время выдохнуть и создать шедевр – нечто монументальное, знаковое!


Но тут, словно черт из табакерки, выскочила проблема: студийное звучание Kiss оставляло желать лучшего. Предыдущие альбомы, спродюсированные Кенни Кернером, Ричи Уайзом и даже самим Нилом Богартом, не передавали всю необузданную мощь Kiss. Они не взрывали колонки, как их живые выступления! Нужен был кто-то уровня «тяжёлой артиллерии», способный дать группе необходимый пинок под зад. И этим спасителем стал Боб Эзрин – легендарный канадский звуковой маг! Эзрин отполировал талант Элиса Купера до платинового блеска. Теперь настала очередь Kiss искупаться в лучах его волшебства!


По легенде, Эзрин согласился работать с Kiss благодаря… назойливому соседскому мальчишке! Юный меломан заклевал продюсера своими музыкальными теориями, убеждая его:
«В школе все без ума от Kiss! Но их записи – отстой! Но они настолько круты, что мы всё равно покупаем их пластинки!»
Работа с Kiss для Эзрина была сродни дрессировке диких зверей. Никакой профессиональной подготовки! Ему пришлось взять их под крыло, словно беспомощных цыплят. Уследить за ритмом барабанов оказалось кошмарной задачей.
Питер Крисс постоянно сбивался с темпа, и Эзрин, чтобы утихомирить кошачьего гения, отбивал ритм по… собственному портфелю! Представьте себе картину: Эзрин во фраке и сюртуке колотит по портфелю, а Питер — по барабанам! Он гонял музыкантов, как сержант-инструктор новобранцев! Даже всемогущему Джину Симмонсу доставалось за то, что тот заканчивал дубль раньше времени! А Эйс Фрейли? Однажды он просто не пришел, потому что… играл в карты! Никакой пощады! Вместо Эйса за гитару взялся Дик Вагнер (тот самый, из команды Элиса Купера!). Так впервые на альбоме Kiss зазвучал приглашённый музыкант, оставшийся в тени.


Одной из гениальных находок Эзрина стало использование рояля для усиления гитарного напора. Не просто фортепиано и гитары вместе, а стена звука! Представьте себе Фила Спектора, передавшего свои секреты Бобу Эзрину! Если раньше Kiss полагались на панк-роковый кураж, то теперь они обрели гигантский, сверкающий саунд, с которым можно было творить настоящие чудеса! Эзрин обожал звуковые эффекты и оркестровки, и он щедро приправил ими творчество Kiss!


Альбом открывается радиопостановкой (ведущего играет Джин Симмонс), рассказывающей о гибели водителя в автокатастрофе. Затем следует сцена, в которой молодой человек едет на концерт, слушая по радио песню Kiss «Rock & Roll All Nite». «Detroit Rock City» значительно отличалась от всего, что они делали ранее, как музыкально, так и лирически. Они пошли на риск, и это сработало. Песня посвящена не столько Детройту, сколько молодому фанату, погибшему по дороге на концерт Kiss в Шарлотте. Осознание трагической основы песни многократно усиливает её эмоциональное воздействие.


Песня содержит запоминающийся гитарный рифф, великолепное соло, крутые барабанные партии и интересную басовую линию. Звуки проезжающей машины, приближающейся к концерту, органично переплетаются с музыкальным повествованием, завершаясь трагическим финалом.


А знаете ли вы, что «Beth» едва не осталась незамеченной? Трудно поверить, но эта трогательная баллада, взлетевшая на седьмую строчку Billboard Hot 100, была создана Питером Криссом задолго до его звёздного часа в Kiss! В соавторстве с гитаристом Стэном Пенриджем он выпестовал песню, изначально посвящённую некой Бек – девушке коллеги по группе Chelsea (представляете, «Бек, что я могу сделать?» – звучит, как крик отчаяния!).

Electric Light Orchestra - A New World Record
…………………………………………………………………………………………………………………
Telephone Line


Альбом "A New World Record" Electric Light Orchestra, вышедший в 1976 году, прогремел на весь мир, став не просто коммерческим успехом, но и настоящим культурным феноменом. Восторженные отзывы фанатов, критиков и музыкантов, мгновенный взлет в топ-10 чартов всех стран мира – казалось бы, куда уж больше?
Но вот еще один факт, добавляющий интриги: должность менеджера группы занимал отец самой Шэрон Осборн. Вокалиста, Джеффа Линна, и вовсе нередко нарекали пятым "Битлом". Менее чем за год пластинка разошлась тиражом свыше 5 миллионов копий! Вдумайтесь: 1976 год, эра Led Zeppelin и The Rolling Stones, властвовавших на музыкальном Олимпе, и такой оглушительный успех рок-н-ролльного оркестра.


Альбом "A New World Record" – это диковинный сплав юмора, пронзительности и той самой, щемящей ностальгии, когда ловишь себя на мысли: "Боже, да я всегда мечтал узнать, что это за песня!". И вот, ты слушаешь, и тебе абсолютно наплевать, что подумают твои друзья. Это чистейшее guilty pleasure, совершенный пример поп-музыки, упивающейся собственной слабостью. Пластинка безупречна, и рука мастера – Джеффа Линна – чувствуется в каждом аккорде. Гармоничное звучание, величественные и необыкновенно красивые тексты – все это делает "A New World Record" настоящей классикой.


Альбом открывается треком "Tightrope" – вторжением инопланетных звуков, завораживающими нотами триллера, сопровождаемыми леденящими душу басами. И вдруг, как по волшебству, песня превращается в жизнерадостный гимн любви. Вокал безупречен, а фальцет Ричарда Тэнди просто ласкает слух. Струнные аранжировки невероятно органично вплетены в ткань песни. Это работает! Это одна из самых гениальных поп-песен, которые только можно услышать. После "Tightrope", словно ныряя в небытие, альбом совершает кульбит, обрушивая на слушателя балладу "Telephone Line". Это прекрасная, легко запоминающаяся мелодия, напоминающая стадионные гимны, но в более спокойной, интимной манере. Мрачное блюзовое настроение, незабываемый текст.

НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:10

Genesis - A Trick Of The Tail
…………………………………………………………………………………………….
Ripples


"A Trick of the Tail" – седьмой альбом Genesis, эпохальный в своем роде. Записанный лондонской осенью 1975-го на "Trident" под чутким руководством продюсера Дэвида Хенцхела и, конечно же, самих музыкантов. Он увидел свет в начале 1976 года – сначала в Британии (2 января) на Charisma, потом в Штатах (20 января) на Atco, а позже и в Европе на Virgin.


Это был переломный момент. После ухода харизматичного Питера Гэбриэла во время тура "The Lamb Lies Down on Broadway", будущее Genesis висело на волоске. Казалось, что все кончено, но оставшиеся музыканты не собирались сдаваться. Они горели желанием доказать всему миру, что даже без Гэбриэла они – сила, способная создавать волшебную музыку.

Материал для альбома был готов, но кто заменит Гэбриэла? Прослушали сотни вокалистов, пока не поняли – ответ был у них под носом. Барабанщик Фил Коллинз! Сам Фил, правда, не особо верил в эту затею. "Я был барабанщиком, это моя жизнь, моя территория," – говорил он позже. Вторым барабанщиком стал виртуоз Билл Бруфорд, известный по работе с Yes и King Crimson, который уже играл с Коллинзом в Brand X.


Основой для "A Trick of the Tail" послужили идеи Тони Бэнкса, которые он готовил для сольного альбома. Текст "Squonk" вдохновлен странным существом – сквонком – из книги "Внушающие страх существа лесов и некоторые звери пустынь и гор" (1910 год). Обложку, как всегда, сотворили гении из "Hipgnosis" (Сторм Торгесон). На развороте – целый парад персонажей песен: и сестра милосердия из "Entangled", и разбойник из "Robbery, Assault and Battery", и охотник со сквонком из "Squonk", и жуткое чудовище из заглавной песни, и трогательный образ стариков, вспоминающих молодость, из "Ripples".


Альбом и последовавшие за ним концерты вдохнули в Genesis новую жизнь. Питер Гэбриэл даже посетил их выступление в Hammersmith Odeon и был приятно удивлен: "Все было как-то более естественно, чем я ожидал. Немного нервничал только во время "Supper’s Ready" – как будто кто-то надел на себя мои внутренности".


"A Trick of the Tail" был принят на ура как критиками, так и слушателями. Он обогнал по продажам все предыдущие альбомы группы вместе взятые! Дэвид Хентшель, работавший звукоинженером на "Nursery Cryme", на этот раз в роли продюсера, наделил альбом кристально чистым звучанием. А критики подметили, что Коллинз звучал "по-гэбриеловски" даже лучше самого Гэбриэла.

Genesis - Wind & Wuthering
……………………………………………………………………………………
One For The Vine


"Wind & Wuthering" – восьмой студийный альбом Genesis, увидевший свет 27 декабря 1976 года.
Этот альбом знаменателен тем, что стал первым из двух, записанных в Relight Studios, что в голландском Хилваренбеке. Но куда печальнее то, что "Wind & Wuthering" стал последней совместной работой Genesis с гитаристом-виртуозом Стивом Хэкеттом. Как признавался сам Хэкетт, ушел он не от недовольства музыкой, а от желания творить собственный, уникальный музыкальный мир.

Название альбома – прямая отсылка к бессмертному роману Эмили Бронте "Грозовой перевал" ("Wuthering Heights"). Последние строки романа, – «how anyone could ever imagine unquiet slumbers for the sleepers in that quiet earth», – вдохновили Genesis на создание седьмой и восьмой композиций альбома. В лирике "Wind & Wuthering" тонко переплетаются узнаваемые черты английской жизни и мифологические мотивы. "Eleventh Earl of Mar" повествует об исторической фигуре – Джоне Эрскине, 1-м графе Мар, яром якобите.
Первая строчка, словно драгоценный камень, позаимствована из романа "Полёт цапли" Д. К. Бростера. А над "One For the Vine" Тони Бэнкс начал колдовать еще во время работы над предыдущим альбомом, потратив около года на шлифовку этого музыкального шедевра.
Обложку для альбома сотворили гении из студии "Hipgnosis" под предводительством Сторма Торгесона.


По словам Тони Бэнкса, "Wind & Wuthering" – один из двух его самых любимых альбомов Genesis. Стив Хэкетт также признавался в своей "горячей любви" к этой пластинке. А вот Майк Резерфорд, напротив, считает, что в альбоме "не хватает огня".

После ухода Гэбриела, Genesis альбомом "A Trick of the Tail" доказали, что музыкально они ничуть не ослабли. И "Wind and Wuthering", второй альбом без харизматичного вокалиста, лишь укрепил это мнение. Сохранив лирическую глубину предыдущей работы, эта пластинка предложила слушателю совершенно иное звучание и атмосферу. Пронизанные тоской и печалью, песни альбома словно погружают в размышления о сути бытия. Музыка идеально передает настроение дождливой, промозглой погоды, а название и обложка как нельзя лучше соответствуют этому состоянию. Особенно запоминаются эпическая "One for the Vine" и "Blood on the Rooftops" с её завораживающим акустическим проигрышем в середине (которая, кстати, до сих пор звучит на концертах Стива Хэкетта).

Отдельно стоит отметить рекордное для группы количество инструментальных композиций – целых три! В некоторых из них, как и полагается уважающим себя арт-рокерам, можно услышать отголоски мотивов из других песен альбома. Возможно, это и не самый мощный альбом Genesis, но он, безусловно, великолепен.

Альбом словно пропитанный осенней меланхолией, которая так явно отражена на обложке, превзошел собой даже своего предшественника. Невероятной красоты клавишные аранжировки, богатая гитарная акустика, возмужавший вокал и уверенное движение по пути глубокого, эпического арта – всё это продемонстрировало миру несокрушимую волю и целостность группы. Именно это придает Genesis гораздо большее значение, чем сольные карьеры каждого отдельного участника. Было доказано, что фронтмен – это еще не весь ансамбль, и уход Гэбриела отнюдь не поставил крест на карьере Genesis. Позже это же смогли доказать Black Sabbath, Marillion и другие, так же пережившие уход своих ярких лидеров.

Judas Priest - Sad Wings Of Destiny
…………………………………………………………………………………………….
Victim of Changes


Альбом Rocka Rolla 1974 года не зажег, и Judas Priest вернулись в студию, чтобы выковать нечто принципиально новое. Отказавшись от блюзовых корней, они ушли в более тяжелое и, что важнее, разнообразное звучание. Результатом стал Sad Wings of Destiny – альбом, который многие считают не только ранней классикой группы, но и вершиной их творчества, так и не превзойденной в мейнстримовом металле 80-х.


Открывающий трек "Victim of Changes" явил миру вокал Роба Хэлфорда во всей красе, особенно его знаменитые, пронзительные ноты: "Whiskey woman, don't you know you're driving me insaaaaaaane!"
Песня представляет собой сплав двух ранних композиций: "Whiskey Woman" оригинального вокалиста Эла Аткинса и "Red Light Lady", принесенной Хэлфордом из его старой группы Hiroshima. Примерно на отметке 4:45 можно услышать, как эти две песни сливаются воедино, образуя сложную, почти восьмиминутную композицию, ставшую эталоном стиля Judas Priest. Драматичные переходы от тяжелого металлического грува к балладе и обратно – это их фирменный знак, и здесь он достигает своего пика.


"The Ripper", несмотря на аналогичные вокальные высоты, звучит почти как пародия. Эта короткая риффовая композиция, исполняется от лица Джека-потрошителя. Заданный стремительным ритмом нового барабанщика Алана Мура, "The Ripper" звучит как самый металлический трек 1976 года. Его расположение вторым треком идеально подготавливает слушателя к эпической связке "Dreamer Deceiver" и "Deceiver". "Dreamer Deceiver" – масштабная баллада о сверхъестественном существе, искушающем смертных.

Песня увлекает слушателя за мечтателем сквозь пурпурные туманы в космические дали. Искусные акустические гитары создают идеальную атмосферу для повествования Хэлфорда. Кажется, что попавшие под влияние существа обрели "полное удовлетворение" и безмятежность. Но по мере развития композиции, с вплетением фортепиано, вокал Роба становится все более настойчивым (и высоким!). Идиллия обманчива; вторая часть, "Deceiver", кардинально меняет настроение.


У всего есть цена, и даже самое заманчивое искушение может обернуться катастрофой. "Deceiver" возвращает к тяжелому, галопирующему ритму, предвосхищая стиль Iron Maiden. Звучат соло, и Хэлфорд предупреждает нас об "Обманщике"! Именно такой металл и ассоциируется с Judas Priest, особенно когда он является частью более масштабной композиции.


Первая сторона альбома представляет собой триединство: две эпические композиции и одна в стиле хард-рок. Вторая сторона, несмотря на эпичное начало – фортепианную "Прелюдию" Гленна Типтона, — предлагает еще больше разнообразия. Эта инструментальная композиция в духе Black Sabbath подготавливает слушателя к "Tyrant" (хотя "Tyrant" обычно исполняется вживую без "Прелюдии"). Наложенный вокал создает запоминающийся припев, и в целом "Tyrant" – это бескомпромиссный металл, щедро сдобренный как сольными, так и парными гитарными партиями.


"Genocide" – более медленный и задумчивый трек, контрастирующий со своим жестоким названием. Песня повествует от лица выжившего: «Спаси меня, мой народ погиб, это был настоящий геноцид». Именно эта песня дала название следующему альбому, Sin After Sin: «Грех за грехом, я терпел, но раны, которые я ношу, — это раны любви». "Genocide" важен для баланса альбома. Подобные композиции станут неотъемлемой частью будущих работ Priest, но здесь они еще не так просты и прямолинейны, как в 80-х. Альбом сохраняет сложность и разнообразие музыкальных направлений.


Далее происходит неожиданный поворот. "Epitaph" (написанная Типтоном) – это фортепианная элегия, напоминающая Queen. И она прекрасна. Многослойный вокал Хэлфорда и хоровые партии – смелый эксперимент для 1976 года, особенно учитывая популярность Queen в то время.


"Epitaph" плавно перетекает в финальный трек, "Island of Domination" – еще одну металлическую композицию, но с апокалиптическим оттенком. Текст Роба, написанный в архаичном стиле, содержит такие строки, как «В ту ночь словно разверзся ад». Возможно, это первая песня Роба на тему БДСМ, с фразами вроде «Ленты для связывания и удары, соревнующиеся за победу». Если нет, то это просто жестокое сражение под аккомпанемент яростного металла Priest.


Отдельного упоминания заслуживает обложка Sad Wings – ангел, горящий в аду. В 1976 году она, несомненно, вызвала бы переполох в школе. Этот образ ангела вернется 14 лет спустя в виде Painkiller. А "дьявольская камертонная вилка" на ожерелье ангела станет символом Priest на долгие годы.

Nazareth - Close Enough For Rock'n'Roll
……………………………………………………………………………………
Telegram


Седьмой альбом шотландцев Nazareth, выпорхнувший в мир в марте 1976 года, – это не просто диск, это артефакт, отлитый в бронзе хард-рока. "Close Enough for Rock 'n' Roll" – из тех альбомов, что сразу попадают в категорию "классика".
Сердца фанатов Nazareth он покоряет с первых секунд, с многослойной композиции "Telegram". Это исповедь уставшей от бесконечных перелётов рок-н-ролльной братии: сегодня здесь, а завтра – уже в другом полушарии.


"Телеграфируйте нам сегодня – завтра будем у вас. Мемфис? Лос-Анджелес? Без проблем! Прилетим и зажжём!" – кричит первая часть "Telegram", названная "On Your Way". Пит Эгню добавляет тревожных ноток на клавишах, а следом – филигранный кавер на "So You Want to Be a Rock 'n' Roll Star" от The Byrds, словно мостик между поколениями.

Nazareth всегда любили подмигнуть классическому року, вплетая в свои песни цитаты из бессмертных хитов. Мэнни Чарлтон то и дело вставлял знаменитый рифф из "Rock Around the Clock" (в "Razamanaz", "Teenage Nervous Breakdown"), а иногда и вовсе дразнил слушателей гитарным куском из "Satisfaction" Rolling Stones…

Многие годы фанаты гадают, кто же поёт в финале "Telegram" – "We Are the Road Crew". Слышится хор голосов, но один голос явно доминирует, и это точно не Маккафферти и не Эгню. Неужели дебют барабанщика Даррела Свита в качестве вокалиста? Тайна, покрытая мраком… И, что парадоксально, открывая свои концерты "Telegram", Nazareth никогда не исполняли её финальную часть.


"Close Enough for Rock 'n' Roll" стал первым альбомом, который Nazareth решили записать за границей – в Канаде. Выбор не случаен: Канада обожала Nazareth, а Nazareth были там самыми популярными британскими гастролёрами со времён Beatles. В 70-е в Канаде разлетелось более полусотни золотых и платиновых пластинок Nazareth. В Штатах группа тоже кое-чего добилась, но их американский лейбл A&M всё равно считал их одним из своих главных приоритетов.

"Close Enough for Rock 'n' Roll" – ещё и первый альбом Nazareth, вышедший на новом лейбле Mountain Records, созданном на руинах B&C Records. Mountain унаследовал права на все предыдущие записи группы.

Обложку создала легендарная студия Hipgnosis, оформившая большинство альбомов Pink Floyd и множеству других звёзд. На обложке – уставшая рок-группа, сжавшаяся в лимузине, в окружении толпы фанатов. Возможно, Hipgnosis спародировали обложку альбома ABBA, вышедшего годом раньше, где участники квартета сидят весёлые и довольные, распивая шампанское. У Nazareth на лицах читается одно: "Как же всё это достало!"

В американском туре в поддержку альбома летом 1976 года к Nazareth присоединялись Thin Lizzy, Ian Gillan и Slade. Но, как ни странно, "Telegram" оставалась единственной песней с этого альбома, которую Nazareth играли на концертах годами.

Nazareth - Play'n' The Game
………………………………………………………………………………………
Somebody to Roll

……………………………………………………………..

"Играем по правилам" – восьмой студийный альбом Nazareth, увидевший свет в 1976 году. С альбома 'Play 'n' the Game' Nazareth продолжили движение в сторону AOR (Adult Oriented Rock), начатое чуть ранее в том же году с альбомом Close Enough for Rock 'n' Roll .
И здесь мы слышим все тот же мощный, драйвовый рок, который прославил группу, но с присущей ей любовью к экспериментам. "Down Home Girl" – явная проба сил в "южном роке", "Waiting for the Man" – этакий причудливый фанк, ну а "Wild Honey" - это кавер на классический хит Beach Boys, замедленный до психоделического транса.


А вот "Somebody to Roll" и "Born to Love" – чистый, незамутненный назаретовский гитарный драйв, прямо как в старых добрых Razamanaz (1973) и Loud 'n' Proud (1974). Но настоящие жемчужины 'Play 'n' the Game' — это баллады. "I Want to Do Everything for You" – обещание вечной любви под свингующий бас, и "I Don't Want to Go on Without You" – грустная история о потерянной любви, где гитарист Мэнни Чарлтон в очередной раз показывает, что умеет создавать те самые, цепляющие за душу, гитарные риффы, без которых рок-баллада не баллада.


На обложке красуется посвящение: "Этот альбом целиком посвящается Биллу Фехилли, чья вера и дух по-прежнему с нами". Билл Фехилли – менеджер группы, трагически погибший в авиакатастрофе. Шотландский миллионер, сколотивший состояние на игровом бизнесе, он, может, и не был таким уж пронырливым, как Эндрю Олдхэм для The Rolling Stones или Питер Грант для Led Zeppelin, но начиная с самого первого альбома Nazareth (1971), Фехилли неизменно поддерживал группу. Даже в период творческого затишья после Exercises (1972), он оставался верен Nazareth. Музыканты и сами понимали, что без Фехилли им бы не выбраться дальше английских пабов, не говоря уже о мировых турне.


Как и предыдущие работы середины 70-х, Play 'n' the Game прошел почти незамеченным в Британии. Зато в Канаде группа была на пике популярности, собрав за 70-е около 50 золотых и платиновых дисков. И именно Play 'n' the Game открыл Nazareth дорогу в Южную Америку.

Uriah Heep - High And Mighty
…………………………………………………………………………………………….
One Way or Another


"High and Mighty" – девятый студийный альбом Uriah Heep, вышедший в мае 1976 года. В Европе его выпустили на Bronze Records, а в Штатах и Канаде – Warner Bros. Records. Самое интересное – группа сама выступила в роли продюсера.
Это был первый альбом, который Uriah Heep спродюсировали без вездесущего Джерри Брона, и, к сожалению, последний с Дэвидом Байроном у микрофона.

Работа над "High and Mighty" сопровождалась небольшим переполохом в стане Uriah Heep и их продюсера-менеджера Джерри Брона. Долгое время, с 1969 по 1976 год, Брон держал в кулаке все аспекты записи и содержания альбомов Uriah Heep. Ему принадлежало последнее слово: что пойдет в альбом, а что останется пылиться на полке, в каком стиле продюсировать трек, каким должен быть звук. К концу 1975 года такая ситуация стала давить на группу. Им захотелось попробовать что-то новое, поиграть со звучанием. Дэвид Байрон предложил коллегам записать альбом без Брона.

И тут звезды сошлись. Когда подошло время записывать очередной альбом, Брон был поглощен другими проектами, в том числе бизнесом, весьма далеким от музыки – компанией Executive Express, занимавшейся авиа-такси. Как он сам признавался, это приносило ему массу удовольствия, но не денег. Uriah Heep решили не ждать у моря погоды и спродюсировать альбом самостоятельно, заручившись поддержкой звукоинженеров Эшли Хоу и Питера Галлена.

Во время работы над "High And Mighty" группа активно экспериментировала со звуком и техниками записи. Например, бэк-вокал записывали весьма необычно: музыканты расселись на полу под роялем, а микрофон установили над его открытой крышкой, улавливая не только голоса, но и вибрацию струн. Запись проходила в лондонской студии Roundhouse с декабря 1975 по март 1976 года, с перерывом на европейский тур в феврале.

Альбом вышел в мае 1976 года, а уже в конце июня Дэвида Байрона уволили из Uriah Heep. Помимо его проблем с алкоголем, ходили слухи, что это была месть Джерри Брона за непослушание. Кен Хенсли даже считает, что Брон и его компания Bronze намеренно сделали все, чтобы альбом провалился. Джерри Брон до сих пор считает "High and Mighty" "худшим альбомом Хип", с чем, конечно, можно поспорить.

Отсутствие Брона не сильно повлияло на звучание – оно осталось вполне "хиповским". Скорее, "High and Mighty" своеобразен по материалу и немного выходит за рамки привычной стилистики Uriah Heep. Уже с первого трека, "One Way or Another", где партию вокала (при поддержке Кена Хенсли) исполняет Джон Уэттон, а Дэвид Байрон играет на Хаммонде, становится ясно, что альбом не совсем обычный. В остальном Байрон по-прежнему главный вокалист, и этот альбом стал его лебединой песней с Uriah Heep.

Фанаты группы особенно выделяют сильную первую сторону "High and Mighty", которую можно слушать целиком. Несколько спорных номеров на второй стороне (эксперименты с мюзик-холлом и поп-музыкой, звучащие немного чужеродно для Uriah Heep) не сильно портят общее впечатление. Как подметили на AllMusic: "High and Mighty недостаточно ровный альбом, чтобы привлечь новых фанатов Uriah Heep, но содержит достаточно крепких рок-номеров, достойных внимания верных поклонников группы."

Продвижение "High and Mighty" прошло в типичном для Uriah Heep образца середины 70-х. Журналистов и важных шишек из музыкальной индустрии загрузили в самолет и доставили на вершину одной из гор в швейцарских Альпах, где их ждал шикарный прием. Хип чувствовали себя на вершине мира. Кен Хенсли стал требовать себе не только отдельную гримерку, но и персонального гастрольного менеджера. Многие считают "High and Mighty" пиком композиторского таланта Хенсли.

В отличие от предыдущих альбомов, "High and Mighty" вышел только в одинарном конверте с довольно скромным оформлением – возможно, это тоже был один из "камней в огород" Джерри Брона. На внутреннем конверте – фотографии и тексты песен.

10сс - How Dare You!
…………………………………………………………………………….
I'm Mandy Fly Me



"Как вы смеете!" (How Dare You!) – четвертый альбом британских кудесников арт-рока 10cc, увидевший свет в январе 1976 года на Mercury Records.

К моменту записи "How Dare You!" группа уже купалась в лучах славы. Их главный козырь – песня "I'm Not in Love" 1975 года – сорвала куш, и Mercury Records, не раздумывая, предложила им миллионный 5-летний контракт.
"How Dare You!" стал последним аккордом оригинального состава 10cc: Грэм Гоулдман, Эрик Стюарт, Кевин Годли и Лол Крим. Первые двое тяготели к сладкозвучному попу, вторые же были без ума от экспериментов. Этот альбом – их прощальный подарок, где по соседству уживаются приторные поп-жемчужины вроде "Rock 'n' Roll Lullaby" и умопомрачительные вещи, как психопатичная "Iceberg". Как метко подметили на Allmusic.com, это "гремучая смесь фиглярского юмора и попсовой притягательности".

И как гласит надпись на обложке "How Dare You!" – "очень 10cc". Невероятно разноплановый, жанрово пестрый альбом с острым, как бритва, языком.

Открывает его заглавная композиция "How Dare You" – инструментальная пьеса с индийскими мотивами, одна из лучших гитарных работ 10cc. Здесь, как и в следующем номере "Lazy Ways", группа являет собой типичный образец прогрессивного рока начала 70-х. А вот "I Wanna Rule The World" – диковинное сочетание мюзик-холла и оперетты с вкраплениями в стиле Мотаун.
Герой песни во всеуслышание заявляет о своем желании "быть боссом, большим боссом, править миром, править правильно" в "обновленном мире", где "все будут свободными, но согласятся быть свободными чуть меньше меня". Критика Rolling Stone не на шутку перепугалась этой песенки, узрев в ней гитлеровские замашки, хотя на самом деле в ней высмеиваются амбиции любого Большого Брата…

"I'm Mandy Fly Me" – один из главных хитов альбома. Герой песни летит куда-то самолетом авиакомпании, с рекламных плакатов которой на него смотрит обворожительная стюардесса с надписью "Я – Манди. Летай со мной!". Но самолет терпит крушение, и герой оказывается в океане. Акулы уже кружат рядом, и вдруг он видит ее – стюардессу Манди, "шествующую по водам":

Идея песни осенила Стюарта: "У American Airlines был шикарный плакат, на котором прекрасная стюардесса приглашала вас в полет. Ее звали не Манди, а что-то вроде Синди, какое-то типично американское имя. И в этом слогане – "Я – Синди, летай со мной" – явно чувствовался сексуальный подтекст. Однажды я увидел в Манчестере, как какой-то бродяга, настоящий бомж, пожирает глазами эту девушку с плаката, и понял, что это тема для песни. Каким взглядом он смотрел на нее, этот бедняга, которому никогда не суждено подняться на борт самолета. Разве что в своих мечтах…"

"Art for Art's Sake" вышла на сорокопятке и заняла 5-е место в британских чартах. Грэм Гоулдман вспоминал: "Искусство ради искусства" было нашей саркастической реакцией на столпы музыкальной индустрии, которые становились все более очевидными по мере развития нашей карьеры". А Эрик Стюарт добавлял: "Идея песни пришла от отца Грэма Гоулдмана, его звали Хайми. Он часто говорил нам: "Ребята, искусство – ради искусства, а деньги – ради Бога".

Финальная песня "Don't Hang Up" – это безнадежный телефонный разговор мужа с уходящей от него женой. Вернее, даже не разговор, а монолог мужа, который он то и дело прерывает мольбами "Не вешай трубку – не вешай трубку", но она в конце концов бросает трубку… Эта песня задала тон обложке альбома. Это была вторая подряд обложка 10cc, созданная знаменитым дизайн-бюро Hipgnosis.

Альбом "How Dare You!" - настоящее произведение искусства. Волшебники из Hipgnosis подошли к делу со всей серьезностью, наняв профессиональных актеров и организовав целую постановку, как в кино. Взгляните на фотографии на всех сторонах конверта – это же целая картина человеческих страстей в духе Босха или Брейгеля-старшего.

НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:09

Eagles - Hotel California
…………………………………………………………………………….
Hotel California


Ох, сколько же баек ходит вокруг Hotel California группы The Eagles! Фанаты чего только не напридумывали, какие только версии не строили! Как обычно и бывает, большинство из них оказались просто плодом бурной фантазии.
История гласит, что песню эту выносил Дон Фелдер, о чем он и рассказал в своей автобиографии "Heaven and Hell: My Life in The Eagles". Сидел он, значит, в арендованном домике на пляже в Малибу, бренчал на своей 12-струнке. Жара стояла жуткая, и вот в этой ленивой атмосфере аккорды сами собой сложились в мелодию.
Фраю помог довести песню до ума, а Хенли поработал над текстом. И вот, в феврале 1977-го сингл выстрелил, став настоящим хитом.
Правда, поговаривают, что в Hotel California есть что-то общее с песней We Used to Know группы Jethro Tull. Фронтмен Jethro Tull даже как-то пошутил в интервью, что не отказался бы от гонорара от The Eagles. Впрочем, потом он дал понять, что никаких претензий не имеет.
Но главная загадка Hotel California долгое время крылась в ее тексте. Фанаты ломали головы, пытаясь понять, о чем же она на самом деле.

Версий насобиралось огромное количество, вот только некоторые, самые яркие:
В восьмидесятых христиане решили, что песня рассказывает об отеле в Сан-Франциско, который купил Антон Ла-Вей и превратил в Церковь сатаны.
Другие шептались, что "Отель Калифорния" – это на самом деле психбольница в Камарильо.
Была популярна версия о реабилитационном центре для наркоманов.
Многие верили, что речь идет о шотландском замке черного мага Алистера Кроули или даже о гостинице каннибалов. Кто-то даже умудрился разглядеть зловещую фигуру в черном на обложке альбома!
Нашлись и те, кто утверждал, что The Eagles поют о замке Playboy.
Ну и, конечно, куда без романтической интерпретации! Якобы песня о любви, где странник ищет счастье, находит его, но вынужден расстаться с возлюбленной из-за ее тяги к роскоши. Натянуть эту версию на текст, конечно, можно, но выглядит сомнительно.

В конце концов, в 2007 году Дон Хенли решил расставить все точки над "i" и развеял мифы о смысле Hotel California. По его словам, песня об "излишествах американской культуры", о "шатком балансе между искусством и коммерцией" и об "ахиллесовой пяте американской мечты". Он назвал её "трактовкой жизни светского общества Лос-Анджелеса".
Гленн Фрай тоже подтвердил, что Hotel California – это метафора, "исследующая уязвимость успеха, темную сторону рая".


Хотя кто знает, может, музыканты просто устали от бесконечных вопросов и решили отделаться общими фразами? Вдруг там все-таки есть какой-то скрытый смысл?

Интересные факты напоследок:
В 1977 году песня получила "Грэмми", но группа на церемонию не поехала. Говорят, смотрели по телевизору во время репетиции.
"Colitas", о запахе которых говорится в песне, – это по-испански "маленькие почки марихуаны".
Метрдотель называет вино "spirits" (спиртным напитком), хотя вино к нему не относится. Авторам не раз на это указывали, но они отшучивались.
Во время последнего полета шаттла "Колумбия" (того самого, который разбился в 2003-м) экипаж просыпался под Hotel California в исполнении жены астронавта Уильяма МакКула.
Фраза "They stab it with their steely knives" – это отсылка к группе Steely Dan, у The Eagles был общий менеджер.
На обложке альбома изображен отель Pink Palace в Беверли-Хиллс, где часто останавливаются знаменитости.

Jean Michel Jarre – Oxygène
………………………………………………………………………………..
Oxygène, Pt. 4


"Oxygène" – это третий студийный альбом французского маэстро электронной музыки, Жан-Мишеля Жарра, и его первое творение, не предназначенное для кино.
"Oxygène" – это шесть частей, просто пронумерованных от "Oxygène Part I" до "Part VI". Изначально он вышел во Франции 5 декабря 1976 года на лейбле Disques Dreyfus, по лицензии Polydor, а вскоре покорил и международную сцену, появившись в продаже в середине 1977 года. Альбом взлетел на первую строчку французских чартов, достиг второго места в Великобритании и занял 78-е место в США.

Жарр записал этот шедевр в своей домашней студии, используя целую армию аналоговых синтезаторов, разбавив их лишь одним цифровым, и дополнив всё это другими электронными инструментами и эффектами. "Oxygène" стал настоящим прорывом, подарив Жарру всемирную славу. С тех пор он оказал колоссальное влияние на развитие электронной музыки, став "локомотивом синтезаторной революции семидесятых" и заразительным коктейлем из упругих, пульсирующих аналоговых секвенций и цепляющих мелодий.

На создание и запись "Oxygène" у Жарра ушло около четырех месяцев, проведённых на кухне, превращённой в студию, с ограниченным набором оборудования. Звуки ударных, звучащие на альбоме, – это результат одновременной работы двух пресетов на драм-машине Korg Mini Pops.
В 1976 году Жарр был очарован акварелью "Oxygène" размером 30 на 40 см, которую он увидел на выставке Мишеля Грейнджера. Жарр выкупил картину, заявив Грейнджеру, что "хочет использовать ее как обложку для альбома". Позже Грейнджер признался:
"Эта картина – самая известная из всех моих работ. Это моя Мона Лиза. Но я больше не чувствую, что она принадлежит мне. Она принадлежит всем, кто любит музыку Жана-Мишеля Жарра".
Один из самых восторженных отзывов об альбоме оставил Робин Смит из Record Mirror, отметив, что "довольно сложно передать теплоту через такую музыку, и конечный результат обычно получается неестественным, но Жан-Мишель Жарр создал множество форм, объединенных вместе плавными линиями".

В ретроспективном обзоре Джим Бренхольтс из AllMusic назвал "Oxygène" "одним из самых оригинальных альбомов электронной музыки", подчеркнув, что он "выдержал испытание временем и эволюцию цифровой электроники". Альбом также был включен в культовую книгу "1001 альбом, который вы должны услышать перед смертью".

Ramones – Ramones
………………………………………………………………………….
Blitzkrieg Bop



"Хэй! Хоу! Летс Гоу!" – этот боевой клич, словно гимн, взрывает тишину и с первых секунд обрушивает на слушателя шквал из четырнадцати коротких, как пулеметная очередь, песен. Дебютный альбом Ramones – не просто их личный старт, это, по сути, манифест панк-рока, первый панковский альбом, выпущенный крупным лейблом, и произведший эффект разорвавшейся бомбы в музыкальном мире. Волна восторга и критики – равнодушных не было. После него история рока совершила резкий вираж и уже никогда потом не была прежней.

В Штатах панк-рок, как его окрестила пресса после паломничества в культовый CBGB, зрел в андеграунде уже год-два. Но тогда это еще не было четким жанром, тем более не имело социального подтекста. Скорее, это было объединение самобытных и разношерстных групп, которым CBGB давал возможность выплеснуть энергию. Ramones были одними из них. Именно им предстояло "сузить" понимание панк-рока для широкой публики, загнав его в определенные стереотипные рамки.


И вот они вышли на сцену CBGB – парни в том, в чем ходили по улицам: кожаные куртки, косухи, длинные волосы, как у роллингов конца 60-х, но какие-то небрежные, словно немытые. Смесь рок-н-ролла 50-х и бунтарства 60-х. Да еще и все взяли себе псевдонимы с фамилией Рамон! Но это только обертка!

Как только они начинают играть, понимаешь, что гитарист Джонни Рамон отсек в своей технике игры все лишнее, оставив лишь необходимый минимум для ритма, уступив мелодию вокалу. Революция? Да, черт возьми! Ведь именно такая техника стала основой для миллионов гитаристов, которые только учатся играть, подбирают аккорды к песням или придумывают свои.
Даже профессионалы, играющие в самых разных жанрах, в итоге возвращаются к этим основам. Джонни Рамон выдвинул на первый план знаменитые квинтовые пауэр-аккорды и начал просто "лупить" или "чесать" по ним медиатором сверху вниз (тогда даже появился термин "бензопила", который сейчас мало кто помнит). Именно этот метод игры на гитаре закрепился за панк-роком, а к концу десятилетия стал основой хэви-метала и других тяжелых жанров. И нельзя забывать о барабанщике Томми Рамоне, который выкрутил метроном на максимум. Четкость ритма была критически важна – малейшая неточность, и все рухнет.

Басист Ди Ди Рамон, как и многие басисты в такой музыке, прославился не виртуозной игрой (он тоже "лупил" по струнам медиатором), а текстами (вместе с вокалистом Джоуи Рамоном) и своими знаменитыми выкриками "1-2-3-4!" и другими "кричалками".

И самое главное – это не была тупая музыка. Поверх этой бешеной скорости и ритма вокалист Джоуи Рамон, невзирая на свои скромные вокальные данные (а порой и просто смешное дребезжание в голосе), умудрялся выдавать цепляющие поп-мотивы. Песни оказались на удивление слушабельными и въедливыми. Ну и, конечно, нельзя забывать о текстах "на грани". Не такие радикальные, как у британских панков, но со своей долей скандальности. По сути, это были молодежные тексты, ориентированные на подростков, с близкими им темами: трагическая любовь между школьниками (особенно в хите "I Wanna Be Your Boyfriend", где группа отдала дань романтике 60-х), фильмы ужасов, комиксы, всеобщее отрицание. И лишь пара песен касались "жести": про парня-проститутку ("53rd & 3rd"), токсикоманию ("Now I Wanna Sniff Some Glue") и нацизм (главная "бомба" альбома – "Blitzkrieg Bop").

Этот коктейль первым из панк-тусовки рискнул выпустить крупный лейбл – и это был взрыв. Альбом выполнил главную и, на мой взгляд, единственную положительную миссию панк-рока – развеял миф о том, что рок – это удел избранных "динозавров", что простой смертный не может взять гитару, сыграть свою песню и стать популярным. Ramones доказали это первыми. Но, увы, альбом не стал сенсацией в Штатах, зато произвел шоковый эффект на британских панков, которые довели "эффект Рамонс" до крайности. Sex Pistols сделали акцент на грязи и социальном радикализме, отодвинув музыку на второй план. Конечно, не все британские панки были такими, но в итоге у большинства людей сложился именно такой стереотип о панк-роке. Лично для меня панк-рок – это Ramones: доступная, простая, с понятными мелодиями музыка на молодежную тематику, музыка, которую приятно слушать и которую может придумать простой человек, не имеющий регалий музыкального монстра.

Aerosmith – Rocks
………………………………………………………………………..
Rats In The Cellar



Rocks, четвёртый студийный альбом Aerosmith, выпущенный в мае 1976 года на Columbia Records, – это манифест американского рока, занявший 176-е место в списке «500 величайших альбомов всех времён» по версии Rolling Stone. Этот альбом – не просто сборник песен, а зеркало, отражающее бунтарский дух и необузданную энергию Америки 70-х.


Aerosmith ворвались на музыкальную сцену, словно ураган, с громогласным заявлением: «А вот и мы!». Они стали квинтэссенцией американских стереотипов, выворачивая их наизнанку с едким юмором, превращая Америку в своеобразный мировой бордель, с которого сорвана маска. Они показали её отражение: где-то уродливое, где-то израненное, но всегда прекрасное в своей неприкрытой правде.


Они плевали на условности, воспевая продажную любовь, откровенный секс, вечно пьяных отцов и собственные измены. Это был их рок-н-ролл, сотканный не из королевской крови, а из уличной грязи и неприкрытой похоти. Они не стремились наполнить жизнь смыслом, а щедро раскрашивали её бесцветность в ядовитые тона своей музыки.


Aerosmith не останавливались в своём музыкальном развитии, смело смешивая хард-рок, блюз, глэм, поп и даже элементы рэпа, предвосхищая появление альтернативной сцены. Грязное, ни на что не похожее звучание гитары Джо Перри стало визитной карточкой группы, диким мустангом, обгоняющим чистокровных скакунов. Aerosmith стали одними из отцов американского панка и прародителями таких групп, как Limp Bizkit и Linkin Park, а Фред Дерст не раз признавался в поклонении их культу. Их влияние признают Guns N' Roses, Metallica, Red Hot Chili Peppers и многие другие.


Rocks – это квинтэссенция Aerosmith, альбом, объединивший все их характерные черты. Здесь нет очевидных хитов, как Dream On или Walk This Way, но он ровен и мощен, как удар кулака. Именно на Rocks группа окончательно сформировала свой стиль и забронировала себе место в Зале славы рок-н-ролла и в списках лучших артистов всех времен.


Стивен Тайлер на Rocks – это одновременно и сарказм, и ирония, и секс, и надежда, и отчаяние, сплетенные в единое целое его неповторимой интонацией. Альбом был создан в безумные времена наркотического угара, но именно тогда родился их шедевр. Впервые спродюсированный при участии самих музыкантов, особенно Стивена Тайлера, Rocks стал отражением его одержимости музыкой.


Обложка альбома с пятью бриллиантами – минималистична и претенциозна одновременно. Название, придуманное Джо Перри ещё для «Toys…», идеально отражает содержание: это действительно камни, выброшенные на слушателя с яростью и страстью.

Rocks – любимый альбом Слэша, Курта Кобейна, Джеймса Хетфилда и Брюса Дикинсона, эталон американского хард-рока, необъезженный жеребец с диким нравом. Это музыка для тех, кто вырос на 60-х и любит 70-е, очищенный от всего лишнего и вместе с тем грязный рок. Объяснить музыку невозможно, а рок-музыку – тем более.

ZZ Top - Tejas'
………………………………………………………
It's Only Love


Билли Гиббонс назвал шестой альбом ZZ Top, Tejas, «переходным», моментом, когда новые технологии начинали проникать в студии, но ZZ Top оставались верны своему блюзовому, «жирному» звучанию. Это был не просто коричневый цвет выжженной солнцем пустыни и потных пивных бутылок, а палитра, обогащенная новыми оттенками.

Путешествие начинается с любимой фанатами баллады «It’s Only Love», оглушительного старта, где пронзительные гитарные ноты вступают в завораживающий контраст с низким, утробным басом Дасти Хилла, а припев врезается в память. Креативные барабаны Фрэнка Бирда придают динамики, а голоса Гиббонса и Хилла сливаются в гармоничном дуэте. Примерно на три четверти пути песня набирает неожиданную интенсивность, кульминацией которой становится ослепительное соло на губной гармошке.

В бодром блюзовом буги «Arrested For Driving As Blind» все звучит более привычно. Слышен фирменный шаффл Фрэнка, а Билли непринужденно извлекает из своей гитары обжигающие ноты. В «El Diablo», ночной сказке из пустыни, грув становится мягко неумолимым, с авантюрными сменами аккордов и раскатистой гитарной игрой. Низкий бас Дасти Хилла снова создает атмосферу надвигающегося грома. Это не просто блюз, а научно-фантастический гибрид. "Snappy Kakkie" – тоже нечто особенное, не стандартный трек, и не фриковатая разминка в духе Фрэнка Заппы. Мелодия содержит в себе авантюрные и запутанные элементы, позволяющие ей существовать во многих измерениях. В конечном счете, припев «Say hey Snappy Kakkie!» затягивает, заставляя возвращаться к нему снова и снова. Темп нарастает в «Enjoy and Get It On», серьезном, глубоком треке, кратком, искрометном блюзовом наступлении, завершающем первую сторону пластинки.

«Ten Dollar Man» с вокалом от Дасти - это нечто особенное. Пока Фрэнк Бирд искусно отбивает ритм, Дасти и Билли разгоняют огонь. Это угрожающий трек, под который хочется пританцовывать. А затем вам лучше быть начеку, потому что «Pan Am Highway Blues» - это другая история! ZZ Top никогда не довольствуются простым исполнением блюза. Им нравится привносить свои уникальные трюки, и это песня о дороге и скорости. Билли использует студийные технологии, чтобы наложить красивые гитарные партии.

Затем Дасти берет микрофон в «Avalon Hideaway», треке, подчеркнутом энергичной и сочной игрой Фрэнка Бирда. Ведущее соло Билли, пожалуй, самая яркая часть песни, но легкие фанковые вибрации добавляют ей привлекательности. Бирд – неутомимый барабанщик, но он никогда не кажется перегруженным. «She’s a Heartbreaker» – это классическая поп/кантри/рок мелодия высшей пробы. Нежная мелодия припева – классика, достойная занять место среди лучших песен ZZ Top во всем их обширном каталоге. «She’s a heartbreaker, she’s a love taker, but she can break your heart and take all the love she needs…» Только скрипка смогла передать это настроение. По всем параметрам, это шедевр музыкального фьюжна.

Tejas завершает альбом захватывающим инструменталом "Asleep In the Desert", с участием Билли, играющего как на электрогитаре, так и на акустической, расслабленно и неторопливо, пока солнце садится за оазис, и ночные звуки вторгаются в сумерки…

Многие альбомы ZZ Top можно считать лучшими в их дискографии. В 1976 году были опасения, что ZZ Top слишком сильно увлеклись кантри. Оглядываясь назад, становится ясно, что это не так, и мы можем оценить Tejas таким, какой он есть. Поскольку ни одна из песен с этого альбома так и не вошла в сборник Best Of ZZ Top 1977 года, Tejas содержит множество отличных глубоких композиций. Это не тот альбом, который можно купить и получить все хиты, которые вы помните. Это нечто гораздо большее. Это альбом, который вы покупаете, чтобы открыть для себя множество блестящих песен, которые вы, возможно, раньше не слышали.


НАЖАТЬ

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:08

UFO - No Heavy Petting
………………………………………………………………………….
Belladonna



"No Heavy Petting" – пятый альбом британской рок-легенды UFO, вышедший в мае 1976 года на лейбле Chrysalis и ставший знаковым в дискографии группы. Записанный в Лондоне в 1975-1976 годах, он ознаменовал собой переход от квартета к квинтету с приходом штатного клавишника. Альбом, изданный в Великобритании, США, Японии, Австралии и многих других странах, по праву считается одним из лучших в истории хард-рока.

UFO – пионеры стиля хард-н-хэви, противопоставившие клавишным изыскам современников (Uriah Heep, Deep Purple) тяжелые, почти "металлизированные" риффы и лаконичность. Соло-гитара Михаэля Шенкера-старшего, признанного виртуоза, добавляет композициям неповторимую эмоциональность.

Альбом четко делится на три категории: среднетемповые боевики, скоростные боевики и баллады.

Открывает альбом "Natural Thing" - тяжелая композиция с простым, но запоминающимся риффом и мелодичным припевом с фортепианными вставками. "I'm A Loser" – более мягкая и мелодичная песня со звучанием акустических гитар в куплетах, предвосхищающая звучание современных рокеров, и фортепиано в припеве. "A Fool In Love" перекликается с "Natural Thing" и, по мнению некоторых, содержит элементы, напоминающие AC/DC.

Среди скоростных треков выделяется "Can You Roll Her" с мелодичным припевом и виртуозным соло Шенкера. "Reasons Love" и "Highway Lady" немного уступают ей, хотя последняя примечательна своей красотой.

Венцом альбома являются медленные композиции. "Belladonna" – акустическая баллада, признанная классикой рока, с нежными клавишными и лиричной гитарой Шенкера. "On With The Action" – более тяжелая, с блюзовыми мотивами и запоминающимся соло. "Martian Landscape" завершает альбом нежными клавишными и мягким звучанием.
"No Heavy Petting" – красивая работа, занявшая достойное место в истории рока. Несмотря на узнаваемый стиль UFO, каждый их альбом обладает своей индивидуальностью, и этот не стал исключением, благодаря таким хитам, как "Belladonna".
Пятый альбом английской хард-рок группы примечателен участием Михаэля Шенкера, младшего брата Рудольфа Шенкера (основателя и гитариста Scorpions).
Михаэль Шенкер, продемонстрировавший виртуозную игру на дебютном альбоме Scorpions «Lonesome Crow» (1972), вскоре после его выхода перешел в UFO, до его прихода выпустившую 2 альбома. "No Heavy Petting" – пятый альбом UFO и третий с участием Шенкера. Он не изменил звучание UFO в сторону Scorpions, но обогатил его и повлиял на структуру композиций, сократив их среднюю продолжительность до 3-5 минут. Альбом представляет собой классический хард-рок того времени, с мощным звуком и виртуозной гитарной игрой Шенкера.


НАЖАТЬ


У меня всё...

Это сообщение отредактировал zeppelman - 9.01.2026 - 14:07

В 1976 впервые услышал группу GEORDIE (был в 8 классе) и только спустя много лет узнал, что там пел Брайан Джонсон.

Всем - привет, отличных новогодних выходных!
Zep, спасибо, подборка - отличная!
Но, считаю, можно еще 2-х добавить, они этого достойны.
Boston 1976 - Boston
Kansas 1976 - Leftoverture.

Офигеть как время летит. 50 лет. Когда-то это казалось вечностью.